musica, imagenes y letras

Rachmaninov - Netrebko.

2011-05-22T18:16:00.000-07:00

Amarás la belleza, que es la sombra de Dios sobre el universo ( Gabriela Mistral ).

El secreto de sus ojos

2011-03-25T08:44:00.000-07:00

Elizabeth Taylor ( 1932 - 2011 ) In memoriam

José Luis A.

Musica en Venecia

2011-03-19T07:15:00.000-07:00

Hace unos meses en este mismo blog comenté sobre una brillante presentación del conjunto Chileno de Música barroca LES CARILLONS, en esa oportunidad interpretando música de Vivaldi, el pasado miércoles ofrecieron en la misma sala ( el aula magna de la USACH ) otro programa de excelente nivel, titulado: "Música en la Catedral de San Marcos en Venecia", con música escrita por Claudio Monteverdi, Giovanni Paolo Cima y Darío Castello, en esta oportunidad LES CARILLONS estuvieron acompañados del CORO MADRIGALISTA de la USACH y por el tenor Rodrigo del Pozo.

Fue esta otra ocasión para aquilatar la tremenda calidad del conjunto formado en la U. de Chile hacia el año 2000, gracias en parte a los instrumentos con los que trabajan, hacen llegar hasta nosotros ese sonido de tintes un poco arcaicos y de cámara tan particulares del barroco más temprano, da la sensación de estar presente en un salón de la época asistiendo a un concierto preparado para la ocasion. En esta oportunidad apreciamos una cara diferente de este sonido, ya que a la brillantés y exultancia de Vivaldi, sucedió ahora la solemnidad de un repertorio religioso, de armonías que llaman a la concentración en el dolor de la pasión cristiana, que busca recogernos y emocionarnos con los distintos pasajes interpretados, tanto en la letra como en la música.

la mayor parte del repertorio giro en torno a la obra "selva morale e spirituale" de Monteverdi, compuesta hacia 1620, a los que se sumaron una sonata de Cima y otra de Castello, imagino que LES CARILLONS y el CORO MADRIGALISTA habian trabajo juntos, ya que la complementación fue absoluta, producto además creo, de que es un repertorio bastamente estudiado y ejecutado por ambas agrupaciones.

Un detalle, pero a mi juicio no menor, es que a la calidad musical se debiera otorgar un marco escénico mas trabajado, creo que una mejor iluminación y cierto nivel de producción escénica mas cuidado, elevaría el nivel del total.

Recomiendo no perderse las presentaciones de este conjunto, rescatan una música muy poco difundida, muy bella y lo que se agradece mas,en grabaciones sobretodo,poniendo en el tapete parte del rico repertorio barroco americano, tan cercano a nosotros y a la vez tan poco conocido.

Lamentablemente no encontré registro audiovisual de este concierto, pero dejo aquí uno que ofrecieron con otro repertorio, y que permite aquilatar su calidad.

José Luis A.

The Beatles

2011-02-02T13:15:00.002-08:00

Titulé así este comentario porque la columna vertebral de esta película son las canciones del grupo de liverpool, ellas la inspiraron y sostienen el guión, el filme es solo un marco para el lucimiento de esta "banda sonora" ya clásica a estas alturas.
Detrás de la idea y la cámara esta la directora Julie Taymor, de carrera bastante prolífica y ecléctica. Cabe preguntarse si basta solo un grupo de canciones para armar y sostener un largometraje, mi respuesta es que dado el calibre de la música escogida, si; cosa que no sucede con muchos musicales.
La historia es simple y directa: un chico ingles viaja a u.s.a en busca de su padre a quien no conoce, allí se topa con una chica "bien" y su entorno, vive en la ciudad que nunca duerme y comienzan los problemas, como que su mejor amigo va a parar a la guerra de vietnam, la chica que hasta ese momento a vivido un tanto ajena a la realidad, toma conciencia del mundo en que vive y...
Tengo mis reservas con la película en si, pero bien vale la pena, repito, por la música, 32 canciones inmortales dentro de las cuales hay una interpretación estremecedora de "let it be" en clave de negro spiritual.

José Luis A.

De entre los muertos

2010-11-29T13:42:00.000-08:00

La historia no es nueva ni única, pero remece, al igual que otras por lo cruel y absurda. Carlos Fariña Oyarce, fue detenido por una patrulla militar en su casa de la población La Pincoya, el 13 de Octubre de 1973, tenía 13 años. Sus restos fueron encontrados en la comuna de Pudahuel el 18 de Agosto del 2000, causa de la muerte: heridas de bala. Carlos, el niño, fue asesinado por efectivos militares durante los primeros meses de la dictadura Pinochetista, la historia no es nueva ni única.

Con estos hechos, ya de por si, estremecedores, la directora y en este caso también dramaturga Carola Villegas, armó un relato de contenido dramatismo, dandole la forma de una cantata titulada Octubre de Carlos, su estructura toma de diversas fuentes lo que le confiere un eclecticismo que la enriquece y llena, al alternar texto hablado con acompañamiento musical y texto cantado, nos remite a la forma del recitativo secco de la Opera Mozartiana, pero solo en la forma, ya que la influencia musical de la partitura es evidentemente popular, y va del jazz al folclore, tomando elementos de, según advertí, la opera rock y la cantata popular de corte folclórico.

La linea dramaturgica es bastante pura y va al grano, narrando con rigor histórico y lejos de la truculencia o melodramatismo, los hechos configurados en la investigación judicial del caso.

El elenco, si bien disparejo en lo vocal-actoral, luce bastante homogeneo, lo que habla bien de la dirección, que sin duda se guió por varios preceptos del teatro Brechtiano para esta entrega, este efecto de "distanciamiento" mantiene le relato en el terreno histórico-documental lo que lo hace mas efectivo a la hora de calar en el espectador, que tiene así plena conciencia, todo el tiempo, de estar asistiendo a hechos que ocurrieron tal cual y no hace mucho en este propio País.

Una iluminación bastante austera corona esta estética y una excelente entrega por parte de los musicos, otorga la adecuada atmósfera a este infernal relato.

Una obra recomendable desde todo punto de vista

Donde: Teatro Sala Sidarte, Ernesto Pinto Lagarrigue 131, barrio Bellavista.

José Luis A.

Enigma de otro mundo

2010-11-22T14:56:00.000-08:00

Cuando quieras leer ( o releer ) una buena narración de terror, date una vuelta por El color que cayó del cielo, del maestro H.P. Lovecraft, pocos relatos logran sumirnos desde las primeras lineas en una atmósfera tan inquietante que llega a causar una sensacion física de incomodidad, y de eso se trata finalmente, que un relato nos transporte a su dimensión, por pesadillezca que esta sea.
Desde la tremenda primera descripción del condado ficticio de Arkham, con sus bosques selváticos, oscuros y tenebrosos, hasta la pintura que hace del "páramo maldito" sentimos estar dentro de una pesadilla de la que no podremos salir ya que la frontera entre lo real y lo irreal es demasiado tenue como para sentirse a salvo cuando amanece. Un meteorito a caído en el condado y desde dentro brota "un color" que imperceptiblemente se va apoderando del paisaje, los animales y las personas, modificando su naturaleza de forma siniestra e irreversible, llevando flora y fauna hacia un infierno que se hace incontrolable en su avance y sus consecuencias, seria un despropósito narrar aquí mas detalles, solo les puedo asegurar que no es fácil dormirse en lo oscuro después de una atenta lectura de este magistral relato.

José Luis A.

Uno menos

2010-11-21T13:01:00.000-08:00

Cerro definitivamente el cine Gran Palace, después de décadas de funcionamiento en pleno centro de Santiago, y habiendo terminado como multisala, cierra sus puertas otra mítica sala de esta ciudad, al parecer el destino conocido del cine sean salas albergadas en mall y centros comerciales, como una oferta mas dentro del consumo de otras "especies", solo sobreviven como salas los cine arte y las que están dentro de algún centro cultural, no es un problema achacable al DVD, es culpa de las costumbres que van cambiando, no siempre para bien, y de los intereses del espectador actual, esta desaparición no la veo como buena ni mala, simplemente como cinéfilo siempre lamento una sala menos de cine.

José Luis A.

Amarás la belleza...

2010-09-21T17:01:00.000-07:00

...que es la sombra de Dios sobre el Universo.
( Gabriela Mistral en su "decálogo del artista" ).

Duelo

2010-07-13T12:15:00.000-07:00

A los 87 años de edad y por problemas cardiacos ha muerto en la ciudad de Miami la grande Olga Guillot, en justicia llamada La Reina del Bolero, para mi, lo mejor que ha tenido este genero musical, en canto femenino, junto a Elvira Ríos. Una raza en extinción de la que sobrevive solo Omara Portuondo. Nos queda su música para seguir disfrutando de su arte.

José Luis A.

Recordando

2010-07-05T13:05:00.000-07:00

2 Temas que me llevan por el tunel del tiempo a bellos momentos.

Inmortales

2010-06-13T09:39:00.000-07:00

Lo más grande que ha tenido Francia en música popular: Edith Piaf y Mireille Mathieu, interpretando una canción de todos los tiempos a la ciudad luz.

El malo de la pelicula

2010-06-02T16:37:00.000-07:00

Si esta película la hubiese dirigido otro cineasta, Scorsese o de Palma por ejemplo, yo la hubiese tildado de excelente, no los nombro al azar, ya que me parece un guión más propio de ellos que de Werner Herzog. El problema es que a los genios, y para mi Herzog es uno, uno le pide nada menos que obras maestras ( Fitzcarraldo, Aguirre..., Cobra verde, Nosferatu etc. etc. por citar solo 4 de su vasta y grandiosa filmografía, de la que no excluyo muchos de sus documentales simplemente soberbios como Enemigo mío ), y Bad liutenant, es un muy buen "policial" pero no responde a la mano que filmó una Fata morgana o Grizzly man.
Nicholas Cage es un policía tan drogadicto y amoral como justiciero, y se mueve cumpliendo su deber al borde del colapso narcótico y la hecatombe económica, producto de su afición a las apuestas y las drogas, un ser que transita los abismos con comodidad pero en fase terminal en lo personal, solo un golpe de suerte, producto de un ardid ante una figura deportiva que queda "en sus manos", lo salva de una más que probable muerte.
hay dos instantes en que la película "se sale" un poco de si misma y vemos la mano de Herzog: la escena de las iguanas al son de una canción y el baile del "alma" de un muerto, escenas propias del delirio de Cage y donde por breves instantes comparte un poco la locura de un Fitzcarraldo o un Lope de Aguirre.
En síntesis, una cinta que rubricada por otro nombre es excelente, en manos de Herzog por lógica se empequeñece al lado de sus obras mayores.

Nostalgia

2010-06-02T16:24:00.000-07:00

No es un mito...todo tiempo pasado fue mejor.

Sentimiento

2010-04-21T16:13:00.000-07:00

Una voz referencial dentro del cancionero latinoamericano, Doña Elvira Ríos.

Una historia de amor

2010-03-28T15:13:00.000-07:00

Cuando ya el tema vampirico había sido banalizado hasta la saciedad en cintas como Van Helsing, cazador de mounstruos o la saga Crepusculo llega a la cartelera Criatura de la noche ( Lat den ratte kommain ) un filme sueco de 2008 dirigido por Tomas Alfredson. Basicamante trata de la relación de un niño de 12 años, Oskar, con una niña de "su" misma edad que llega a vivir al departamento contiguo al que ocupa el con su madre, oskar es tímido y solitario y sufre el hostigamiento de unos compañeros de escuela, Eli, la niña, también se ve solitaria y solo aparece de noche, momento que comparte en el patio del edificio con Oskar. En medio de extraños crímenes, en que las victimas aparecen desangradas, oskar y Eli van tejiendo una relación que sutilmente cruza los limites de la infancia y se adentra en la pre-adolescencia con un delicado y muy bien manejado erotismo, hasta ahí no habría nada anormal, salvo que Eli es un vampiro y su apariencia de niña es un hecho permanente desde tiempos lejanos.
El director Tomas Alfredson rescata lo mejor del genero vampirico, un tema que hunde sus raíces en el romanticismo literario y que da cuenta de unos seres condenados a la oscuridad y la eternidad, que cargan en si un tormento existencial que los convierte en criaturas solitarias y angustiadas por el peso de la existencia, el filme da muy buena cuenta de este aspecto del vampiro, su angustia y dolor por llevar esta existencia oscura y privada de afecto, asi, Eli, encuentra en Oskar un ser con quien compartir momentos de "amistad", y Oskar despierta con Eli a lo que podríamos llamar, su primer amor.
El guión da cuenta de una trama pausada y ajena a efectos gratuitos, aquí el terror proviene mas del tormento del alma condenada a la eternidad, que de la sangre o los gritos de horror, de la angustia de depender de la sangre de otros para vivir, que de escenas espeluznantes.
Excelente oportunidad para reencontrarse con un genero que ha dado grandes momentos al cine por una parte, y por otra, para volver a las fuentes del mito fundamental del Romanticismo.

José Luis A.

Dolor

2010-03-24T16:01:00.000-07:00

El lacerante tema de Jacques Brel, en la gran interpretación de Maysa.

Intolerancia

2010-03-24T15:16:00.000-07:00

Ágora, el último filme de Alejandro Amenabar, ha de constituir dentro del cine del último tiempo, uno de los mejores alegatos sobre la intolerancia y el fanatismo religioso. Centrado en la trágica figura de la filosofa y astrónoma neoplatónica Hipatia, el relato nos entrega una locuaz visión de la vida en la Alejandría del 400 d.c. cuando las viejas creencias paganas comenzaban a ser asfixiadas por el cristianismo y el judaísmo, el problema es que estas cosmogonías mas que devenir en una suerte de sincretismo filosófico-religioso, desembocan en una cruenta "guerra santa" donde se impone la visión del mas fuerte.
A pesar de la factura de "superproduccion" de la película, Amenabar no deja escapar el relato del retrato intimo de Hipatia y sus circunstancias, escapando de la posibilidad de que el diseño visual y los efectos computacionales absorbieran el conflicto ( como lo que le sucedió a Cameron en su elefantiasica Avatar ), Hipatia es el eje narrativo del filme que va develando como sus interrogantes y certezas al resultar extemporaneas, en parte gatillan su desgracia, como sucede generalmente con los seres adelantados a su tiempo y despegados de la mediocridad de la masa.
Excelente película que afirmada en una gran sobriedad narrativa, a pesar de algunos arranques didácticos, y necesarias escenas de violencia, nos deja la amarga y permanente sensacion de que desde siempre el ser humano ha sido su peor verdugo y que básicamente todos los grandes conflictos o son económicos o son religiosos o ambos, ejemplos cercanos a nuestro tiempo también sobran.

José Luis A.

Censurado

2010-03-15T14:45:00.000-07:00

Por lo general, el tipo de libros de cine que abundan son las biografías de actores o directores, sobre estudio de los estilos o sobre la propia historia del cine, por esto se agradece un libro de investigación periodística como "Operación Hollywood: la censura del pentágono", de David L. Roob, editorial océano 2006.
Se trata de una muy completa revisión a cómo el pentágono interviene los guiones de las películas bélicas para "blanquear" la imagen de las fuerzas armadas de EEUU, dada la naturaleza de estos filmes, siempre se hace necesario contar para ellas con distintos elementos de uso militar, desde portaaviones hasta cuarteles, pasando por barcos, aviones, submarinos, instalaciones, uniformes y un largo etc., es aquí donde opera la presión del pentágono, si los productores quieren contar con estos elementos sin costo deben hacer llegar el guión al pentágono y aceptar todas las "sugerencias" en torno a la historia, las solicitudes siempre pasan por eliminar del film todo lo que de una imagen políticamente incorrecta de los militares, aviadores o marinos, para que solo veamos historias donde salgan siempre vencedores o queden como héroes. Se eliminan escenas donde se vean actos de corrupción o abuso de poder, drogas, trafico de armas, alcohol, contrabando, faltas a la verdad etc.etc.
Para este fin existe dentro del pentágono una oficina especial con un encargado de leer los guiones y "sugerir" los cambios, si los productores se niegan tendrán que arreglárselas solos, y en un país donde la cinematografía es antes que todo un negocio, lo primero es abaratar costos, de modo que la mayoría acepta los cambios sin chistar.
Texto esclarecedor y de valiosa información a la hora de aventurarse en esta "otra" historia del séptimo arte norteamericano.

José Luis A.

Pasión

2010-03-10T10:18:00.000-08:00

El bolero, uno de los grandes legados de latinoamerica a la música universal, en la voz de la grande Olga Guillot y Moncho.

El amor

2010-02-28T13:24:00.000-08:00

" Dondequiera que ella estaba, alli era el edén". Adán en la tumba de Eva".( Mark Twain en "Diario de Adán y Eva" ).

Juventud...divino tesoro.

2010-02-09T15:10:00.000-08:00

Hacía menos de una semana que acababa de terminar la lectura de El guardián entre el centeno cuando leí de la muerte de J.D. Salinger en el diario del 29 de Enero, la noticia se titulaba: murio como vivió, en silencio, un "critico" literario apuntaba a que muchos la consideran una novela sobrevalorada; con lo primero estoy de acuerdo, con lo de sobrevalorada, de ninguna manera.
Me resultó un estremecedor, por lo trágico y lúcido, relato de juventud. El joven Holden Caufield transita sus 16 años presa de un escepticismo y hastió solo esperable en alguien mayor, no hay gozo, al menos como lo entendemos la mayoría, en su juventud; en la mayor parte del relato hace gala de una socarronería amarga e irónica que pareciera actuar como corrosivo contra su mente y alma, el viaje de la escuela de donde ha sido expulsado hasta su casa en N. York es un decendimiento a un infierno Dantesco, donde se topa con distintos personajes condenados y conformes a vivir vidas grises y oscuras en el averno del conformismo, cada uno de estos encuentros es coronado por una suerte de pesimista reflexión sobre el mundo que lo rodea.
Solo el encuentro con su hermana menor lo eleva a una suerte de purgatorio o paraíso donde es posible encontrar un ser puro, encarnación del amor, inocencia y pureza. A pesar de que este encuentro no lo redime ni lo salva del colapso.
Relato intimo y personal de un hondo existencialismo, retrato del atormentado espíritu del hombre moderno y su, en algunos casos, amarga lucidez.

José Luis A.

llevame a volar...

2010-02-07T16:02:00.000-08:00

Amarás la belleza, que es la sombra de Dios sobre el universo.
( Gabriela Mistral en su "Decalogo del artista")

Puertas adentro

2010-01-31T06:27:00.000-08:00

El filme, La nana, de Sebastian Silva, a estas alturas se ha instalado, como una obra que trasciende lo netamente cinematográfico para, en nuestro país, adentrarse en los terrenos de la sociología y hasta la antropología cultural, dado el interés que ha despertado. La película en si, me parece que no es nada del otro mundo, estamos ante un producto de regular factura y bastante básico, el guión es bastante rudimentario, esta plagado de lugares comunes y estereotipos, la iluminacion es mala, similar a cualquier producto televisivo de consumo a granel, los caracteres son lineales y planos y las situaciones bastantes obvias en su planteamiento y resolucion; por otro lado contiene dos de los momentos mas freak que yo recuerde de una película chilena: la peor actuación que he visto en años ( alejandro goic ) y las escena mas grotesca del ultimo tiempo ( anita reeves reptando por un tejado ).
Creo que el éxito en los festivales extranjeros se debe, en parte y paradojicamente, a estos "defectos", ha gustado por su rusticidad y artesania primaria, esto le confiere una atmósfera naif y primitiva que llama la atención desde el tercer mundo, La Nana se alza como un diamante en bruto, como una joyita sin pulir, un desacato al academicismo y las leyes de la pulcritud y rigor filmicos, es de alguna forma, la película que nunca hubiera hecho un Bergman o un Welles pero si un Ed Wood.
Una buena forma de verla sin condenarla es mirarla como un filme serie B, como una cinta periférica. Lo importante sería que esa fuera la intención concreta del director, que toda esta rusticidad fuera buscada a propósito y no producto del no saber hacerlo mejor, puede con el tiempo convertirse en un ejemplo chileno de cine serie B y en un referente nacional de película bizarra, y esto que suena a mala critica puede devenir, con los años, en halago.

Jose Luis A.

terror del bueno

2009-12-06T12:40:00.000-08:00

Después de una "breve pausa comercial" ( el hombre araña ) volvemos a reencontrarnos con el mejor Sam Raimi, el del terror serie B con magistrales toques gore y esa infaltable pincelada bizarra, y aunque no se supera a si mismo después de la zaga Darkman, el rostro de la venganza, con su ultima entrega Arrastrame al Infierno logra tomar pocesion de un lugar bien ganado en el cine desde su ya lejana El ejercito de las tinieblas.
La cinta protagonizada por una muy correcta Alison Lohman, nos lleva por los espeluznantes días que vive una gris funcionaria bancaria luego de que se convierte en víctima de una maldición gitana al negar la renegociacion de una hipoteca a una desagradable vieja rumana. De ahí en adelante se vera envuelta en una serie de eventos paranormales que la llevan camino a un trágico fin en donde el factor "sorpresa" del final añade patetismo al personaje y a la historia.
Narrada dentro de los moldes clásicos del genero, con fuertes pinceladas gore y bizarras, cumple cabalmente con lo que se pide del genero y confirma el buen momento de un director ya icono y referente del cine actual.

Jose Luis A.

Parsifal ( Richard Wagner )

2009-12-01T15:33:00.000-08:00

Amarás la belleza, que es la sombra de Dios sobre el Universo
( Gabriela Mistral ).

Mahani Teave

2009-11-24T14:26:00.000-08:00

Siempre que nos referimos a un artista joven, hablamos de "promesa", este sería una excepción que confirma la regla.
El pasado sábado en la plaza de armas de Santiago, la joven pianista Rapa nui, Mahani Teave, deslumbró con una técnica expresiva y un dominio de sus recursos, francamente notable para alguien tan joven, estuvimos frente a una artista consolidada, que nos llevó por un programa que incluyó a Lizst, Chopin, Fauré, tchaikovsky y Brahms, en una interpretación llena de fuerza romántica y delicadeza cuando así se requería, plena de matices y de lectura personal de las músicas, totalmente entregada al instrumento y con gran llegada a la audiencia que la premió con una atención inusual en este tipo de eventos, máxime cuando el concierto se extendió por mas de dos horas.
La acompañó su mentor y maestro Roberto Bravo, quien nos volvió deleitar una vez más con su calidad y entrega.
Una tarde memorable a cargo de dos grandes artistas que nos enorgullecen como Chilenos.

José Luis A.

Amarás la belleza...

2009-08-20T17:38:00.000-07:00

Que es la sombra de Dios sobre el universo.
( Gabriela Mistral, en su "decálogo del artista" ).

Amarás...

2009-07-06T09:52:00.000-07:00

...la belleza, que es la sombra de Dios sobre el universo.
Gabriela Mistral (decálogo del artista).

José Luis A.

Rec

2009-06-30T12:42:00.000-07:00

Que chiste repetido sale podrido es verdad universal, bien podrían haberlo sabido los responsables de este bodrio hispano que bautizaron Rec. Todo lo que tenía de bueno "El proyecto de la bruja de blair" lo tiene "Rec" de malo, es falso y previsible, las actuaciones son falsamente naturales, la supuesta "verdad" documental de lo que vemos, es tan calculada y travestida que a poco andar se sale su origen ficticio. Los trucos para asustar parecen salidos de un mal filme gore y los efectos son los ya tan manidos golpes súbitos o entradas a campo violentas de caras o cuerpos aterradores que mas que tensión provocan tedio y risa.
Una película para solaz de los devoradores de pop-corn y desgracia de los cinéfilos amantes del buen terror, por desgracia ya contamos con una secuela de este bodrio así que a prepararse para mas banalidad y tinta roja.

José Luis A.

Cuando Nietzche lloró

2009-06-25T15:06:00.000-07:00

Nada más engañoso que una mala película sobre un personaje histórico, se nos entrega una imagen distorsionada, pobre e incompleta acerca de una personalidad infinitamente compleja, como es el caso que aquí referimos.
Se trata del filósofo alemán Friederich Nietzche y del filme Cuando Nietzche lloró, a pesar de que trata de ser bastante biográfica, no logra siquiera rozar la personalidad apabullante del personaje, entregándonos una semblanza que no indaga ni en la superficie de sus postulados, más bien desinforma, reduciendo su carácter al de un ser neurótico y jaquecoso que las oficia de mediocre psiquiatra, mientras es estudiado cual conejillo de indias por el Dr. Josef Breuer, suerte de impulsor primigenio del psicoanálisis.
Deambulan además por el filme, Lou andreas Salomé y Sigmund Freud, como meras figuras-pivotes, dentro de un guión plagado de lugares comunes y estructurado bajo un punto de vista simplista y superficial, un flaco favor a quien pretenda saber algo sobre este filosofo clave en la historia del pensamiento occidental, ya que lo que encontrará es un grueso bosquejo que no dice nada sobre lo que pensó e hizo Nietzche en su vida.

José Luis A.

Non pensare a me ( Quand tu t"en iras )

2009-04-30T13:56:00.000-07:00

Las influencias y vasos comunicantes entre la música clásica y la popular son variadas e indesmentibles, ya lo puede testificar el rock, el jazz y el tango, por citar ejemplos claros. En la ópera y la canción popular esto es más patente aun y va más allá de que un cantante lírico interprete algún tema de carácter popular o un interprete de música popular haga dúo con un lírico, en ambos casos sobran ejemplos de muy disímil resultado.
De todo lo anterior podríamos citar muchos ejemplos, pero vayamos aquí a un botón de muestra. La canción popular italiana tuvo su "edad de oro" en la irrepetible década de los sesenta, escenario privilegiado de este fenómeno fue el festival de San Remo, la canción ganadora del año 1967 fue "non pensare a me" interpretada por Claudio Villa, en ella se aprecia una fuerte influencia lírica tanto en la orquestación como en la estructura del tema, apoya lo anterior la voz y el fraseo del cantante, no olvidemos en este punto que Italia fue donde más desarrollo y afianzamiento logra la ópera durante el siglo XIX ( obviando el caso de Alemania y su "revolución" Wagneriana ).
Esta canción tiene a su vez una versión en francés, que también he incluido en esta entrada, a cargo de una de las mejores interpretes galas junto a la Piaf: Mireille Mathieu.
Un tema icono de la canción popular en dos grandes interpretaciones que mucho deben en su música y estructura a la forma lírica.

José Luis A.

The Wrestler

2009-03-31T16:22:00.000-07:00

Hay dos aspectos básicos que hacen de este filme uno de los mejores que veremos este año. Primero, la actuación de M. Rourke, que en rigor no es actuación pero que de igual forma construye un carácter lo que en sí vale lo mismo, lo segundo es la dirección de Aronofsky que construye en relato con mano invisible, lo que confiere una cualidad semi documental al personaje del luchador. Se dice que la mejor dirección es la que no se nota y aquí hay un caso patente.
Tenemos entonces una combinación casi químicamente pura: una actuación que no es tal y una dirección que no se nota, todo esto confiere a la película una energía y una humanidad que trasciende lo cinematográfico, convirtiéndola en una suerte de crónica de un antiheroe o héroe caído, un gran retrato de las miserias y fortalezas del hombre, miseria en cuanto a su rol de padre ausente e indolente que solo se preocupó de su vida y "carrera" faltando de modo absoluto a su rol de progenitor, y fortaleza en cuanto a desarrollar su oficio con rigor y dedicacion casi religiosa, convirtiendo su vida en algo casi inexistente mas allá del ring, una existencia vaciada en la lucha libre, todo gira en torno a ella y todo esta relacionado de algún modo con ella, incluso el amor, ya que Cassidi ( M. Tomei ) a su manera también es una luchadora, que noche a noche sube al escenario como a una arena de combate a ofrecer un espectáculo, el personaje de Rourke se describe a si mismo como " un pedazo de carne vieja..." un ser que desprecia el dolor físico y menoscaba noche a noche su cuerpo hasta convertirlo en algo parecido a un despojo, es aquí donde aflora lo único que le queda, su espíritu y dignidad que es lo que confiere calidad "humana" a nuestro ser físico, el espíritu y la dignidad que se alzan hacia el final para dar la ultima y decisiva batalla, la que confirma la superioridad del espíritu por sobre una carne que envejece y corrompe, el cuerpo es solo el envase que contiene el verdadero "ser" humano.

José Luis A.

I will wait for you

2009-02-04T15:42:00.000-08:00

Los paraguas de cherburgo, es lejos una de mis películas favoritas, por años he disfrutado su historia y sobretodo su música, el tema central tiene una versión en inglés, es la que dejo a continuación con ustedes, en su versión instrumental y también cantada, para los que no conocen el filme, lo recomiendo como lo mejor ( para mi ) que ha dado el cine musical hasta hoy, y no creo ser muy tajante al afirmarlo.

José Luis A.

caso curioso

2009-02-02T10:01:00.000-08:00

El curioso caso de benjamín button constituye a mi juicio uno de los mas estrepitosos fiascos de esta temporada de cine, el tema no podía ser mejor, y quienes han leído el relato corto de f. s. fitzgerald sobre el que se basa, habían cifrado más espectativas todavía.
Ya desde un comienzo el relato es de una monotonía dramática que hace tambalear todo el filme, no hay la mas mínima tensión dramática y todas las implicancias de corte "fantástico" propias de la naturaleza de la historia, brillan por su absoluta ausencia.
La carga alegórica esta absolutamente soslayada y el guión ha hecho "aterrizar" de manera violenta todo el vuelo de la historia, convirtiéndola en una narración hiper convencional y plana, carente de ritmo y enfrascada en una dirección de arte y fotografía clisé, ñoña y deudora de una estética manierista que recurre solo a lugares comunes y manidos para recrear una época.
La guinda de la torta es la actuación de brad pitt, que ha de ser una de las mas inexpresivas, planas y deslavadas del último tiempo, lamentablemente mas que de el, creo, que la culpa es del director d.fincher ya que desaprovecha con creces a dos actrices de probado talento como c.blanchet y t. swinton.
El filme hace agua por todos lados y ni siquiera lo interesante del planteamiento literario lo salva, solo una gran campaña de marketing publicitario podría convencer a la academia ( que como sabemos no solo se mueve por intereses artísticos ) de otorgarle algún oscar, espero que por el bien del prestigio de este premio, esto no suceda.

José Luis A.

El amor es algo esplendoroso

2009-01-03T16:15:00.000-08:00

Me pareció una buena forma de empezar este 2009, una canción bellisima que forma parte de la banda sonora de un filme ícono del cine romantico de la decada del cincuenta ( angustia de un querer ) con dos grandes de la pantalla Jennifer Jones y William Holden. Espero que la disfruten tanto como yo cada vez que la escucho.

José Luis A.

Preludio

2008-12-07T15:51:00.000-08:00

Amarás la belleza, que es la sombra de Dios sobre el universo.

Gabriela Mistral.

Cinema Paradiso

2008-12-07T06:11:00.000-08:00

Hay películas que van mas allá de lo que son "en si" como obra artística, que suman a su valor propio, el constituir símbolo o representación de algo que las trasciende.
Es el caso, creo, de Cinema Paradiso de G. Tornatore, el filme en si no es una obra maestra en todo el sentido del termino, mas bien estamos frente a un melodrama de muy correcta factura, apoyada en un guión que echando mano a todos los elementos constitutivos del genero, sostiene una historia de profundo contenido humano.
El "plus" de la cinta radica a mi parecer en el universo que la contiene: El Cine. Para todos los cinéfilos es imposible escapar a la emoción que nos despierta el ver una historia como la de Alfredo ( P. Noiret ) que casi sin querer guia al pequeño Toto ( S. Cascio ) hacia este "mundo paralelo" que son las películas, y que tanto han significado para quienes las vemos como manifestación superior de la mente y el espíritu humanos.
Para Toto las películas van siendo una escuela de vida, de donde saca lecciones dulces y amargas que marcan su crecimiento, para Alfredo los filmes son un lugar donde se refugia y vive lejos de una existencia real monótona y solitaria, los personajes de la pantalla son su compañía que amortiguan las caídas del diario vivir.
Todo esto es absorbido por Toto, quien ya de adulto ( J. Perrin ) deviene en una suerte de síntesis Alfredo-Toto niño, casi como en una ecuación dialéctica, el Toto adulto, un ser exitoso, adinerado y solitario se re-encuentra con su "vida real" al acudir al entierro de Alfredo quien le ha dejado parte de este universo paralelo de los filmes, como una herencia que va mucho mas allá de algo tazable monetariamente, es difícil para quienes amamos el séptimo arte, ver la escena final sin un "nudo en la garganta" ya que ahí se da cita esa cualidad que va más allá de las palabras ( la escena es literalmente muda ) y que nos confirma el poder que tiene sobre el espíritu y la mente esta expresión artística que sintetiza los sueños, las fantasías y las esperanzas del genero humano.

José Luis A.

En el borde del mundo

2008-11-30T11:22:00.000-08:00

Este es el titulo de las memorias del juez Juan Guzmán Tapia, editadas por Anagrama y que vienen a constituir un valioso aporte a la hora de revisar bibliografía que revise nuestra historia política. Lo primero que sorprende es que el curso de los acontecimientos quizo que fuese un hombre que nunca se vio a si mismo como parte del "aparato" judicial, quien a la postre juzgara al dictador chileno por su responsabilidad en los crímenes cometidos durante su mandato, en dos casos emblemáticos : caravana de la muerte y calle conferencia.
Pero partamos por el principio, Juan Guzmán se nos presenta como un niño y luego un joven formado en un hogar de profundo contacto con el mundo de la cultura, ávido lector lleno de inquietudes humanistas imbuido de un gran sentido ético y estético a la hora de planificar su vida, rodeado siempre sus primeros años de buena parte de la intelectualidad o intelligentsia de la época, absorbe y asimila una profunda mirada humanista sobre el hombre, es esto que deriva en su elección por el mundo de las leyes, una mirada que busca el equilibrio que se supone restituye la justicia cuando ha sido quebrantado, y que finalmente y virtualmente desemboca en que sea el quien tome causas ejemplares de los horrores cometidos por la dictadura pinochetista.
Lo otro que trasunta el libro es una suerte de mea culpa, autodeclarado hombre de derechas, nunca vio o no supo ver a tiempo y en su momento las reales dimensiones del golpe de estado de 1973, de hecho es uno de los que destapó una botella de champagne al enterarse de lo ocurrido la mañana del once, de ahí en adelante el relato coma el caríz de un viaje al infierno, con algo de relato dantesco, va entrando paso a paso en el infierno de las violaciones a los derechos humanos y va tomando conciencia de la barbarie que cometieron los militares en este aspecto, es ahí donde el jurista, contra todos los poderes del momento ( fácticos y de hecho) se retrotrae a los ideales del joven estudiante de derecho y emprende la labor de restituir el orden alterado, aplicando en profundidad el concepto de justicia.
Quijote que hubo de esquivar cientos de molinos, que buscaban por distintas razones ( desde las de estado hasta las de corte fascista ) el que se procesara y juzgara al autor intelectual de la barbarie, llegó hasta donde pudo.
Nos deja en sus memorias plasmada la vida de un ser profundamente ético y humanista, un profesional responsable y un hombre genuinamente preocupado del prójimo, una lección de vida no solo para quienes siguen las leyes como derrotero profesional, sino para todos los que sienten que la dignidad humana es el bien supremo que debemos cautelar.
Fue una suerte tenerlo como parte del poder judicial en el momento preciso y en las más apremiantes circunstancias, se extrañan jueces de esa estatura moral para administrar un poder de pocas luces y profundas sombras en nuestra historia.

José Luis A.

Tony Manero

2008-11-28T13:58:00.000-08:00

Tony Manero es un gran salto cualitativo del director Pablo Larraín en relación a su opera prima Fuga, si en esta última abundaban las imagenes grandilocuentes y un tanto vacuas, dentro de un relato ampuloso y sin nervio, en Tony Manero sorprende gratamente la economía de recursos y lo compacto de un guión que sabe ir al grano de inmediato, manejando los distintos niveles del relato de forma certera y limpia.

Desde la primera escena es decidor el tono y el enfoque que se da a la historia, cuando a Raúl Peralta ( un excelente Alfredo Castro ) le preguntan su nombre contesta Tony Manero, esto da la pauta de todo lo que vendrá a continuación, Peralta no existe virtualmente, Manero es la figura sicológico-político-social que sostiene toda la cinta, un ser enfermo a cuyo alrededor orbitan, por y para el, personajes que justifican su accionar solo en relación a lo que aporten o no aporten al protagonista, un ser desquiciado, prolongación y metáfora de una sociedad enferma y sucia en manos de una dictadura y sus mass media ( en este caso el cine ) donde cualquier actividad antisistemica es vigilada y reprimida por los esbirros del pinochetismo.

Más que un viaje hacia la locura, el filme es un viaje a través de ella, en Tony Manero casi no hay progresión dramática en un sentido estricto, solo dos elementos: la preparación del show y la presentación al concurso, empujan la peripecia.

De alguna forma se impone la lectura política del filme, un ser individual ( Manero ) y uno colectivo ( los jóvenes ) en abierto complemento ( el show ) y choque ( la acción e ideales antidictadura ) que forman un solo cuerpo social en crisis ( aun no resuelta a mi pensar ) que avanza hacia un incierto destino, los jóvenes "presumiblemente" terminan muertos y desaparecidos y Manero sigue su camino de locura y sangre, presa de una mente alienada que no se detiene ante nada.

Sorprende gratamente que un joven director proveniente de una familia que profesa la ideología que fue sustento de la dictadura, haya concebido un filme como este, habla bien de el y de su percepción de nuestro pasado reciente.

José Luis A.

En qué creen los que no creen?

2008-10-31T13:45:00.000-07:00

A comienzos de 1995, la revista italiana Liberal solicitó a Humberto Eco y monseñor Carlo María Martini ( en aquel entonces arzobispo de milán ) sostener una suerte de debate epistolar sobre ética, ad portas del fin del milenio. Este "debate" se recopiló en el libro que lleva por título el encabezado de esta entrada.
En realidad más que debate se trata de un intercambio de opiniones sobre temas fundamentales del humanismo : aborto, sacerdocio femenino, fin de mundo y otros temas concernientes a la moral y la ética desde el punto de vista laico ( Eco ) y católico ( Martini ).
El valor principal del texto, creo, radica en la altura de los postulados, provenientes de dos intelectuales de vasta y profunda cultura lo que enriquece con datos de gran erudición ( sin caer en lo críptico o demasiado denso ) que dificulte la lectura a cualquier persona de cultura media, ya que en el caso de citas concretas, a san agustín por ejemplo por parte de Eco, siempre están fundamentadas y comentadas en su forma y contenido concreto, sin dejar que su cita sea solo dato erudito.
Más allá de las diferencias obvias de estos puntos de vista, nos queda la sensación de que el ser humano como punto de vista central de la creación en su condición o no de creatura de origen divino, esta llamado a constituir un bien en sí, para el, sus semejantes y todo lo que lo rodea, de forma que procure un hábitat y una calidad de vida digna del ser que es. Esto queda de manifiesto con claridad en la preocupación de ambos convocados al confluir en puntos de encuentro más similares de los que se podría esperar, tomando razón de que sea o no creatura de Dios, el ser humano es depositario en sí de algo que lo supera y trasciende, y en esta medida su destino y el del mundo están irremediablemente ligados a lo que el haga conscientemente de su vida y la de sus semejantes.
Lectura valiosa para quien quiera confrontar puntos de vista sobre humanismo, ética y moral en una época de confuso relativismo y pobreza dialéctica.

José Luis A.

Bergman island

2008-10-31T07:48:00.000-07:00

En la primera parte de su autobiografía ( Linterna Mágica ) Bergman nos dice ".cada vez que me preguntan por aspectos de mi vida personal contesto vean mis películas, ahí esta todo...".. esta frase que suele ser recurrente en muchos cineastas, en el, tiene un sentido literal, así queda demostrado en el magnifico documental Isla Bergman de Marie Nyreröd fechado en 2006, es en rigor, la última entrevista en extenso al genio sueco en su casa de la isla de färo, lugar que había conocido buscando locaciones para tras un vidrio oscuro y que habría de convertirse en su último refugio, que Bergman haya elegido vivir y morir en una isla no es casual, el mismo fue una isla durante su vida, y su obra también de algún modo, una isla poblada de fantasmas, demonios y dudas que resolvió solo en parte al final de sus días según confiesa.

El documental va insertando en la entrevista parte de sus filmes emblemáticos, dando cuenta así de que vida y obra en este caso fueron una sola, lo que constituye el más fidedigno caso de artista, ya que se supone que el artista trabaja en base a si mismo como primer material de su obra, en el caso de los cineastas esto es primordial ( hay diferencia entre ser cineasta y director de cine ).

Bergman repasa su infancia marcada por un padre castigador y severo y una madre poco afectuosa, el cine fue un refugio y una cosmogonía, el lugar donde las dudas y los demonios toman forma y actúan, exorcisando en alguna medida los fantasmas del yo al sacarlos de la conciencia e instalarlos en una pantalla.

Da cuenta de la relación con sus mujeres y su familia: "He sido perezoso en el tema familiar", dice al hacerse cargo del virtual abandono en el que crió a sus hijos, y al preguntarsele por la relación con sus actrices, nos dice: "hay algo profundamente erótico en el cine y el teatro, y no podemos reducir a dos palabras o un concepto una relación de este tipo".

Gran registro filmico de un artista fundamental, que vive sus últimos años reflexionando sobre los temas que siempre lo angustiaron y que va resolviendo cuestiones fundamentales de su vida, esa que supo reflejar de manera genial en su obra. Bergman, el eterno jugador de ajedrez de El séptimo sello que finalmente creyó encontrar la respuesta a su eterna duda cuando le confiesa a la entrevistadora que esta seguro de reencontrarse con su primera mujer en el más allá, sea donde sea que se encuentre ese lugar.

José Luis A.

Amor constante más alla de la muerte

2008-10-30T15:15:00.000-07:00

Cerrar podrá mis ojos la postrera
sombra que me llevare el blanco día,
y podrá desatar esta alma mía
hora a su afán ansioso lisonjera.

Mas no, desotra parte, en la ribera,
dejará la memoria en donde ardía:
nadar sabe mi llama la agua fría,
y perder el respeto a ley severa.

Alma a quien todo un Dios prisión a sido,
venas que humor a tanto fuego han dado,
médulas que han gloriosamente ardido:

Su cuerpo dejarán, no su cuidado;
serán ceniza, mas tendrá sentido;
polvo serán, mas polvo enamorado.

Francisco de Quevedo ( 1580-1645 )

Jairo

2008-10-22T17:10:00.000-07:00

Jairo es un cantante argentino, nacido en Córdoba, que ha tenido una carrera bastante atípica, a mi parecer. Ha sido más bien de bajo perfil a nivel de popularidad masiva, pero es muy respetado y bien conceptuado entre sus colegas y quienes saben apreciar sus cualidades como interprete y compositor.
Tuve oportunidad de ver un recital suyo en Buenos Aires a comienzos de los noventa, fuí porque siempre me gustó su estilo y en cierto modo el tipo de baladas románticas que interpretaba, me llevé una sorpresa al comprobar que gran parte de las canciones que yo iba a escuchar no las cantó, mas bien centró el recital en un repertorio de corte folclórico, con fuerte acento en lo "Guaraní", esto me desconcertó pero finalmente me di cuenta que estaba frente a un tipo de iba más allá de lo que muchos esperábamos, para abrir su repertorio en un sentido mas social-musical que meramente comercial.
Oírlo es enfrentarse a un cantante en pleno poder de sus recursos interpretativos, con un impecable dominio de la respiración y el fraseo y un timbre muy agradable coronado por un vibrato de excelencia, una de esas voces que decimos "nacidas para cantar", no se en qué estará hoy por hoy, pero se extraña verlo más, en un ambiente saturado de baladistas de tercera interpretando temas de una pobreza franciscana.
Reside en las afueras de París hace décadas ya, imagino que componiendo y realizando algunos recitales de vez en cuando.

José Luis A.

El silencio de los inocentes

2008-10-10T16:28:00.000-07:00

A 17 años de su estreno El silencio de los inocentes esta quedando como una muestra innegable de un filme que se fue paulatinamente convirtiendo no tan solo en una clásico del genero ( thriller psicológico ) sino en general de cine en todo el espectro estilístico. Acaparó los más importantes oscars el año que compitió ( mejor película, mejor actriz, mejor actor, mejor director y mejor guión adaptado ) y aunque estos premios nunca han sido persé sinónimo de calidad valen al menos como guía de referencia, recordemos que en su momento también fueron bendecidas por la academia dos fiascos como hechizo de luna y shakespeare enamorado, pero volviendo al filme de Demme, creo sin temor a equivocarme, que estamos ante dos aspectos fundamentales que constituyen el gran cimiento que soporta la estructura impecable de esta película: el guión y las actuaciones.
El guión esta construido casi como una sesión de psicoanálisis entre el Dr. Lecter y la agente Sterling, ya desde el primer cuadro en el que vemos a Sterling sorteando obstáculos ( metáfora de las dificultades y obstáculos que se avecinan ) estamos en presencia de un sujeto dramático que estará siempre sometido a "pruebas", enviada donde Lecter a indagar pistas que den con el asesino serial "Buffallo Bill" se convierte en una suerte de "paciente" para Hannibal quien hace avanzar la peripecia en base al develamiento que va haciendo de su vida la agente, en una suerte de claves a lo muñeca rusa, ya que el relato de su vida pasada también da muestras de los elementos con los que estamos lidiando en la actualidad: figura paterna ( ella pierde a su padre, los padres pierden a las victimas de Buffalo Bill ), presencia de lo mortuorio ( ella se "ve" en el velorio de su padre mientras espera realizar la autopsia a una víctima ), presencia de "sacrificios" ( animal en el caso de los corderos que vio degollar y humano en el caso de las victimas que son "desolladas" ) aquí hay un punto que me parece muy interesante, en proyección, con la "piel" de los corderos nos vestimos, tal como con la piel de sus victimas pretende "vestirse" Buffallo Bill, y finalmente una suerte de cambio o mutación en la mayoría de los elementos diegéticos : las crisalidas que mutan a mariposas, Sterling que ya no es la misma al final de la cinta y Hannibal que ha "incubado" un amor bastante claro por la agente.
En el terreno de las actuaciones sin duda que la de Hopkins la inscribo entre las mejores que he visto, en sus memorias relata que construyó a Lecter en base a dos imagenes, para lo corporal asimiló un comportamiento "reptilesco" al igual que un personaje que hizo en teatro en una obra llamada Praga, y para lo vocal incorporó la voz de H.A.L. ( la computadora que toma el control en odisea del espacio ) anodina y terrorífica, junto a estos elementos trabaja una sicología diabólica y casi inhumana, salvo por el genial detalle de que es un "canibal" de una cultura superior y refinadisima y un gran sentido estético y musical lo que otorga una condición "humana" indesmentible.
más que el develar una serie de crímenes, el filme es un viaje al interior de dos psicologías que terminan virtualmente, al menos eso siento, complementandose, Sterling es Sterling sólo en la medida en que profundiza su relación con Lecter ( otra posible lectura de pigmalion ) y Lecter es ser "humano" solo en la medida en que avanza su relación con Sterling, casi como un juego dialéctico.
Vista hoy nos damos cuenta de que no a envejecido un ápice, por el contrario, espero que sirva de modelo de cómo se trabaja un thriller psicológico y de como se construyen personajes solidos y contundentes.

José Luis A.

Beethoven - Arrau

2008-09-15T13:27:00.000-07:00

"Amarás la belleza, que es la sombra de Dios sobre el universo"
Grabiela Mistral.
Sonata claro de luna de L. van Beethoven en la interpretación del maestro Claudio Arrau.

Marés González ( 1925-2008 )

2008-09-01T11:59:00.000-07:00

El pasado sábado 30 y a los 83 años de edad, víctima de un cancer al paladar murió la destacada actriz Marés González. Nacida en Argentina y de padres españoles llegó muy joven a chile donde desarrolló una de las mas brillantes carreras de que se tenga memoria, identificada a menudo con grandes roles del teatro universal se la recordara entre otros papeles en Fuenteovejuna, Hedda Gabler, Santa Juana, La opera de tres centavos, El Rey se muere, La celestina y muchas mas.
La vi por primera vez en el teatro U.C. en María Stuardo de F. Schiller, me deslumbró su presencia escénica y fuerza interpretativa, cargaba la escena con su voz potente, de buen timbre y perfecta dicción, se adueñó del rol imprimiéndole una serena, profunda y digna autoridad al personaje. El público, enfervorizado la aplaudía de pie.
Una talento de marca mayor que ha de ser fuente de inspiración para las futuras generaciones de gente de teatro.

José Luis A.

Dido y Eneas

2008-08-23T15:04:00.000-07:00

Tu mano, Belinda;
me envuelven las sombras.
Dejame descansar en tu pecho.
Más querría, pero me invade la muerte;
la muerte es ahora un huésped bien recibido.

Cuando yazga en tierra,
que mis errores no creen
ningún problema en tu pecho.
Recuerdame,
pero olvida mi destino.

texto : Nahum Tate.
música : Henry Purcell.

José Luis A.

Celine Dion en alas de Sinatra

2008-08-22T11:59:00.000-07:00

La industria discografica hace décadas encontró un nicho del cual sacar, como siempre, las mayores ganancias con el menor esfuerzo creativo. Bautizaron al producto como homenaje y lo vistieron de dueto.
Se trataba de unir dos voces distantes en tiempo y estilo y sacar un resultado novedoso, generalmente un artista de moda se une a un clásico de la música popular y dan un "segundo aire" a determinado tema. Hubo experimentos que la tecnología permitió y que dieron resultados aceptables ( Nat King Cole y su hija Nathalie ) y otros desastrosos y olvidables ( Sinatra y Bono en I ve got you under my skin y con Pavarotti en My Way ), sobre estos últimos creo que el "pecado" fue querer imponer la forma o estilo propio al de una canción ya definida en su estilo e interpretación muchos años antes, cuando lo lógico era haber asimilado la linea de Sinatra y haberse integrado a ella con lo propio pero sin querer pasar "por encima" de lo ya construido.
Todo lo anterior vale para destacar un gran trabajo de la canadiense Celine Dion con el tema All the way de J. Heusen y S. Cahn, popularizado por Sinatra hacia fines de los 50.
Dion va hacia la linea melódica y el fraseo de Sinatra y se suma al estilo interpretativo de el, de esta forma la textura del tema permanece intacta y podemos re-valorarla en toda su belleza, Dion se suma a lo planteado por Sinatra y transita con el ( y no viceversa ) una senda musical mutua.
Nada de esto menoscaba su personalidad interpretativa sino que, quizás paradojicamente, la potencia. Celine vestida de Sinatra sin despojarse de su estilo y Sinatra revisitado de una buenisima forma e intención, haciendo valer una vez mas el que lo mejor siempre es que "mahoma vaya a la montaña".

José Luis A.

El niño de barro

2008-08-21T11:17:00.000-07:00

Buenos Aires, 1912. Una serie de horribles crímenes contra niños conmueve a la comunidad, menores que desaparecen de un momento a otro, son luego encontrados muertos y con signos de haber sido torturados, todo este cuadro pone en jaque a un comisario de policía a cargo de la investigación, que ante la falta casi absoluta de pistas, enfoca sus sospechas en un niño de 10 años que aparece siempre conectado de alguna forma con las víctimas. Este chico, de nombre Mateo, tiene poderes psiquicos y premonitorios y parece anticiparse a los crímenes o saber el lugar donde el asesino a dejado a sus víctimas, esto lo convierte en el eje narrativo de la cinta que, según se nos informa en los créditos iniciales, esta basada en hechos reales, lo que la hace más intensa y brutal a nuestra percepción, junto con intensificar la sensación de horror que deja un final tan brutal como inesperado.
Con una soberbia dirección de arte, que recrea de manera perfecta el Buenos Aires de comienzos de siglo XX, el director Jorge Algora construye un thriller sicológico cargado de tensión, que avanza de la mano de un guión impecable, depositario de la mejor tradición cinematográfica clásica: saber contar una historia.
Nos entrega a la vez como subtexto narrativo, una semblanza de las primeras corrientes inmigratorias que forjaron y levantaron la mencionada ciudad.
Gran película, que en tono de suspense, deja claro qué sucede cuando tras la cámara se instala un director y un equipo que trabaja con talento y rigor.

José Luis A.

Love Story

2008-08-08T12:21:00.000-07:00

Si bien no se puede hablar de una década perdida, la del sesenta no fue prolífica en melodramas como su antecesora, que casi estuvo dominada por títulos iconográficos del genero sobretodo de la mano del alemán Douglas Sirk, en realidad The back street en 1961 con la incombustible Susan Hayward es una de las pocas "joyitas" dignas de atención.

Es en este panorama que irrumpe con inusitada fuerza en 1970 Love Story de la mano del canadiense afincado en hollywood Arthur Hiller y con guión de Erich Segal, basado en su propio libro, una novela bastante menor que creció en el cine gracias a varios factores dignos de atención.

Una historia con el componente trágico de toda gran historia de amor, con un algo del Romeo y Julieta que sin plagiar evoca y sin decirlo cita, actuaciones muy sinceras y con una gran química entre los actores y el elemento sin duda más importante de todos a mi juicio: La banda sonora. Una partitura de desgarradora belleza que inunda todo el filme y nos transporta hacia el interior del drama planteado, un amor signado por la desdicha y la muerte y que no da salida posible al dolor, al final Oliver queda igual de solo y desamparado que al principio con el agravante de que ahora es un viudo inconsolable y destruido por la perdida.

Años después y en vista del éxito se quizo repetir la azaña con una secuela llamada Oliver, la que resulto un completo fiasco y un merecido fracaso de taquilla, como decía el maestro Hitchcock "para que repararlo si no esta roto".

Love Story a 38 años de su estreno se alza como un icono del genero y un melodrama que ha envejecido con toda la dignidad que da el haber sido LA película romántica por excelencia en su época y un ejemplo de cómo se filma una gran historia de amor.

José Luis A.

Mamma mía!!

2008-08-04T10:15:00.000-07:00

Afortunadamente el cine sigue defendiéndose de quienes pretenden utilizarlo con fines ajenos a el mismo, cada vez que se le ha pretendido bastardizar se sacude de lo superfluo y nos muestra que el emperador esta desnudo, el cine no es teatro filmado, ni televisión, ni videoclips ni juegos de consola en pantalla grande, tampoco es como en este caso un buen grupo de canciones hiladas por una mala historia hecha a propósito de ganar dinero.
Puede que el musical que concibieron los integrantes masculinos del ex grupo Abba funcione, y así es al parecer, como un correcto y divertido espectáculo escénico, pero de ahí a transformarse en una buena "película musical" hay un camino que en este caso claramente no conocían y no supieron transitar, casos no tan desafortunados tenemos con "Chicago" y "Los productores" así que claramente con Mamma mía!! el problema es la transposición de lenguaje y una historia lo suficientemente débil como para no poder sostenerse más allá de un par de escenas.
Plagada de estereotipos y lugares comunes no es más que un pretexto para recordar las canciones que este gran conjunto sueco impuso en su momento, las situaciones se suceden solo como nexo entre tema y tema y no tienen mayor valor en si mismas, como sucedía en el gran cine musical americano, los dialogos son pueriles y vacuos, los personajes caricaturescos y los ambientes están sacados de una mala postal mediterranea.
Me costo bastante verla completa pero vale la pena como ejercicio para saber qué NO es cine y cómo NO debe estructurarse un musical, a años luz de distancia encontramos por ejemplo "Los paraguas de cherburgo" que se alza como lo mejor que el genero ha dado desde los sesenta en adelante.

José Luis A.

El lector

2008-07-29T15:16:00.000-07:00

Michael es un joven de 15 años que conoce accidentalmente a una atractiva mujer de 36 que lo transforma en su amante, para el es la primera mujer y esta lo inicia en el sexo y en general en la vida. Pasan algunos años y el joven esta a punto de egresar de la carrera de leyes, acude a un juicio contra criminales de guerra nazis y se da cuenta que entre los acusados esta Hanna, su antigua amante.

Este es medularmente el argumento de "El lector" novela del escritor Alemán Bernhard Schlink que editorial Anagrama publicó en 1994, el porqué del título se explica durante los primeros encuentros amorosos de Michael y Hanna ya que esta, antes de hacer el amor, lo obliga a leerle fragmentos de clásicos de la literatura universal.

Novela de gran valor, con un fuerte dibujo de las sicologías, no a partir de la descripción de los personajes sino de las situaciones y las conductas de estos frente a determinados hechos, relato que ahonda en el juzgamiento de la responsabilidad histórica del ciudadano común frente al horror del holocausto judío.

Un ser común y corriente ( Hanna ) puesta en el transe de colaborar con el plan nazi de exterminio judío o asumir un rol neutral con riesgo de su subsistencia. Relato de compromiso más existencial que afectivo, puede por momentos resultar un tanto frío a quien acostumbre leer autores en general latinos, pero innegablemente de una prosa penetrante y lúcida que nos adentra en una mirada despojada de lugares comunes y clisés sobre esta etapa histórica, para mostrarnos como se vive un transe así desde dentro del ser humano común puesto en esas circunstancias, sin abandonar por un momento su inspiración primigenia: un abismal relato de amor.

Klaus Nomi ( 1944 - 1983 )

2008-07-16T12:59:00.000-07:00

Ha comienzos de los años ochenta una amiga volvía de un viaje a Sud-África con una "curiosidad", un disco ( vinilo L.P. por aquella época ) de un cantante, para nosotros desconocido aún, Klaus Nomi.

Lo primero que llamó nuestra atención fue lo inclasificable de su voz y repertorio: pasaba de contratenor lírico al registro "normal" a veces dentro de un mismo tema y de un aria de opera como es el caso de cold song del Rey Arturo de Purcell a un tema netamente pop, todo esto con orquestaciones y arreglos que tanto debían a la música electrónica como techno o punk y también al estilo barroco o clásico.

Se puede pensar por todo esto en un eclecticismo mal entendido o en una suerte de mezcla antojadiza o informe de estilos, nada de esto, por el contrario, nos encontramos ante un artista que rescata con todo el rigor la música que interpreta con un certero y gran ajuste al estilo correspondiente pero dotando a la pieza en cuestión de una lectura contemporánea, así no desnaturaliza la interpretación y la reviste de elementos acústicos que de una forma valida su contemporaneidad.

Además va más allá, la sitúa en un contexto de teatralidad con ciertos toques de distanciamiento en el vestuario o iluminación que refuerzan la atención en la música y el canto como espectáculos en el mejor sentido.

Artista de gran originalidad que sigue siendo objeto de culto para muchos y un, lamentablemente, perfecto desconocido para la mayoría.

José Luis A.

Luz de Invierno

2008-06-28T16:29:00.000-07:00

Dentro de la vasta producción Bergmaniana, esta cinta asoma como uno de los más lúcidos estudios sobre la soledad y la duda que nos haya legado el genio sueco. La soledad en la que indefectiblemente nos encontramos a pesar de estar rodeados de semejantes y la duda de saber con certeza, y más allá de toda incertidumbre, que efectivamente hay un ser superior que nos ha creado y vela por nosotros como un padre.
Los protagonistas se debaten en la incertidumbre más absoluta, el pastor Tomás frente a su perdida fe y sentido religioso en donde la misa ha pasado a ser un rito vacío y mecánico ante una duda que es dolorosa certeza, la inexistencia de Dios como un ser metafísico pero posible.
Jonás frente al incierto y frágil destino de la humanidad después de haber leído que China se prepara para ser potencia atómica (recordemos que esta cinta es de 1963).
Y completando el trío, Marta, frente a un obsesivo y no correspondido amor por Tomás, una maestra rural que se ha entregado por completo al pastor y de quien no recibe más que migajas de cariño.
Hasta el ayudante-sacristán de Tomás, un ser discapacitado que carga su cruz de dolor físico y existencial al sentirse partícipe del dolor de Cristo en la cruz y a quién debemos un dialogo crucial cuando le dice al pastor que la biblia da demasiada importancia al dolor físico de Jesús torturado, cuando para cristo el dolor más intenso fue haberse dado cuenta que predicó en el desierto ya que ninguno de sus discípulos supo entender en profundidad su mensaje y legado, desde judas que traiciona hasta Pedro que niega para finalmente dirigirse a su padre a quien angustiado y moribundo desde la cruz le dice "Porqué me has abandonado".
Aquí esta, a mi parecer, el qué del filme, los personajes son metáfora del dolor y abandono de cristo en el calvario, seres abandonados a su suerte, corroídos por el abandono y el amor no correspondido, cargando cada cual su cruz de angustia e incertidumbre.
Toda la filmografía, o gran parte de ella, de Bergman esta cruzada por caracteres de este tipo, seres arrojados al vacío existencial y torturados por sus dudas, soledad, aislamiento interior y falta de sentido, pero en esta cinta es donde más patente se hacen estos tópicos.
Un filme de cámara, deudor de la formación teatral de Bergman, en donde se privilegian largos planos-secuencia y primeros planos de rostros angustiados.
A la gran obra de T. Dreyer " El proceso de Juana de Arco" se le llama una sinfonía de rostros, bien vale esto para el filme aquí comentado, titulo imprescindible, junto a Gritos y Susurros y El séptimo sello entre otras, para adentrarse en la obra del último genio que nos dio el séptimo arte.

Tango Anarquista

2008-06-21T12:25:00.000-07:00

"Se vino la maroma del tango anarquista..." así comienza el prólogo el autor de este libro que trata justamente de las obras y autores que en la Argentina de principios del siglo XX plasman el ideario anarquista o libertario en las letras del ritmo que ese país legó a la música universal.
No se trata tanto de investigar autores que tomando la música de tangos conocidos, alteraban sus letras para introducir ideas libertarias, sino de las obras que de forma inédita daban cuenta por una parte de las injusticias sociales a las que el sistema capitalista y las democracias burguesas condenaban al pueblo y por otra llaman con sus textos a resistir y terminar con esas injusticias tomando primero conciencia de clase y luego acción proletaria.
Así tenemos ya presentada la "novedad" o cara desconocida de este ritmo latinoamericano, que más allá de contar penas y narrar lamentos y desventuras se convierte en vehículo político y social con contenidos que hablan más del colectivo que del individuo y que intentan despertar su conciencia de clase más que canalizar su desahogo amoroso.
Pierde por esto el tango su esencia?, a mi parecer no, por el contrario, lo enriquece y dota de nueva dimensión, lo convierte en canción de protesta sin descuidar ni un segundo su intrínseca calidad musical, la que se puede apreciar de primera fuente ya que el libro se acompaña de un c.d. que registra un puñado de estos tangos en donde podemos apreciar su calidad literaria y musical de muy buena forma.
Material de valiosa información que nos adentra en un aspecto muy poco explorado e investigado del tango, un gran aporte a la historia de este ritmo y a la historia de las luchas sociales de nuestra América.

"Las ideas libertarias y la cuestión social en el tango".
Javier Ocampo. editorial reconstruir. Federación Libertaria Argentina ( F.L.A. ) Biblioteca archivo de estudios libertarios ( BAEL )
calle Brasil 1551 capital federal.

José Luis A.

Mahler y su 5ta sinfonía

2008-06-20T12:53:00.000-07:00

Hacia el año 1900, Gustav Mahler había sobrepasado la barrera de los cuarenta años y su carrera estaba sólidamente afianzada al igual que su vida particular, gozaba de gran prestigio internacional como director de orquesta y compositor, dirigía la Opera de Viena y compartía su vida con una joven de veintidós años llamada Alma Schindler que lo acompañaría hasta su muerte en 1911.
Los Veranos los dedicaba a componer, lejos de la ciudad y entregado a una vida casi monacal en una villa que se estaba construyendo al sur de Austria, da a luz un grupo de canciones y dos movimientos de su célebre quinta sinfonía, ese verano fue Alma quien hizo de copista de los tres movimientos que quedaban de esta sinfonía, corría el año 1902.
Junto con el fin del estío, el músico completa su obra, dejando para el invierno su orquestación, en tiempos que robaba a su labor de director de la Opera en Viena, finalmente hacia 1904 su labor concluye y realiza una prueba con la Filarmónica de Viena, insatisfecho con lo oído, reorquestó algunas secciones de la obra, cosa que continuó en alguna medida hasta su muerte; por fin, a fines de 1904 dirige la primera interpretación pública de la obra.
Estructuralmente esta sinfonía esta dividida en tres secciones. La "primera parte" tiene dos movimientos, una desolada y espiritual marcha fúnebre y una secuencia de salvaje sonoridad y estilo absolutamente Romántico. La segunda parte vuelve un tanto a la calma con un scherzo más bien bucólico aunque no pesimista, de ahí se da paso al famoso "adagietto", virtual regalo de bodas para Alma, una pieza con vida propia, de lacerante melancolía y una serena atmósfera, propia de quien a llegado al cenit de su vida y pasa por un inmejorable momento de su existencia. Finaliza la pieza con un prolongado rondó de exuberante despliegue orquestal y brillante uso del conjunto instrumental.
Esta sinfonía constituye en gran medida un viaje de la oscuridad hacia la luz, un transito existencial que guarda gran paralelo con la vida de Mahler, creo que en ese sentido es su obra mas "personal" junto a "La canción de la Tierra", y fue compuesta en el breve periodo en que confesó sentirse un hombre absolutamente feliz, ostentaba el cargo más apetecido por un músico en Europa por aquella época, estaba casado con la mujer más admirada por los círculos artísticos e intelectuales del viejo continente y aun no se le diagnosticaba su mal coronario, no deja de ser paradojal que todo esto inspire una obra que comienza con una marcha fúnebre.

José Luis A.

Miradas que matan

2008-06-16T13:44:00.000-07:00

En la gran película sunset boulevard, Norma Desmond (Gloria Swanson) le dice a Joe Gillis (William Holden) mientras observan una vieja película muda donde ella era la protagonista: "No necesitabamos palabras, teníamos ojos".

Creo que esta frase resume muy bien la factura de la cinta francesa "La cambiadora de paginas" de director Denis Dercourt, cinta del año 2006 que recíen este año paso fugazmente por la cartelera santiaguina.

Trata sobre una niña estudiante de piano que fracasa en un examen a causa de una distracción ocasionada por uno de los jueces, una eximia pianista que accede a firmar un autografo en medio de la ejecución de la niña, este fracaso la hace desistir de sus estudios transformandola en una hermosa y fría joven que empieza a vivir con el propósito de vengarse de este fracaso que atribuye a esa distracción y a quien la ocasionó.

El destino la posibilita de ser niñera en casa de la pianista y es en ese escenario donde consumará su venganza, que ha meditado y pulido con los años transformandola en un arma letal y silenciosa que acabará con el grupo familiar de la artísta. Esta se encuentra casi en la indefención despues de un accidente, se ha transformado en un ser debil y temeroso que practicamente queda a merced de la joven sin oponer resistencia.

Un filme contenido, donde los silencios y las miradas tejen la trama, donde los planos cargados en su lento transcurrir nos revelan las profundas implicancias de cada personaje, describiendolos a través de su dolor u odio y no a través de descripciones orales, la sicología de cada uno brota desde lo que no se dice pero se piensa, desde lo que se trama pero no se anuncia, en tiempo de imágenes hiper explícitas este cine sorprende gratamente, más alla de algún ripio en el guión o una situación poco clara, la película se levanta como ejemplo de cine en un sentido más puro del que acostumbramos, una cinta cargada de tensión y donde las aguas mansas ocultan insospechada profundidad, más depositaria de un Hitchcock que de un Chabrol, es refrescante para una cartelera plagada de "blockbusters" yanquis y divertimentos para devoradores de pop-corn.

En una época el cine no necesitó palabras, quizás en un futuro no muy lejano tampoco, sería interesante ver ese momento.

José Luis A.

La Tregua

2008-05-23T16:43:00.000-07:00

Dónde está el mundo que dijimos nunca iba a acabar

Dónde esta el mundo que vivimos sin medir

lo que era nuestra edad.

Tu juventud me hizo soñar

y en mis canas brilló el sol,

Tu libertad vació en mi, todo lo que un hombre quisiera sentir

pero hoy tu ausencia me impide resistir, amarte y vivir.

Gracias por la tregua que le diste a mi existir

Gracias por la forma de hacerme ver que yo tambien

sé de amor.

El tiempo va sin regresar, llevandose los hechos,

dejando atrás mi realidad, y haciendo del presente

mil recuerdos

que se crearon del futuro que acabó en el ayer.

Gracias por tu cuerpo, gracias por amarme asi

Gracias por tu vida...que no viviré.

Letra de la canción "La Tregua" de Oscar Andrade, basada en la novela de Mario Benedetti y la película homónima de Sergio Renán.

José Luis A.

Paginas Escogidas.

2008-05-07T10:08:00.000-07:00

Ah, yo quisiera tanto que tú te acordaras

De los días felices donde nosotros éramos amigos

En ese tiempo la vida era más bella

y el sol brillaba más que los días

Las hojas muertas se rastrillan hacia los desperdicios

Tú sí, yo no he olvidado

Las hojas muertas se rastrillan hacia los desperdicios

Los recuerdos y lamentos también

El viento del norte los transporta

Hacia la noche fría del olvido

Y yo, no he olvidado

la canción que tu me cantabas

Es una canción que nos reúne

Yo te amé, tú me amaste

Vivimos juntos

Amándonos, amándonos

Pero la vida separa a aquellos que se aman

Tiernamente, sin hacer ruido

Y el mar borra sobre la arena

Los pasos de los amantes que se separan!

Dejo este poema puesto en musica con grandes interpretaciones: Montand, Piaf , Sinatra y Grecó.

El Maestro.

2008-05-04T15:42:00.000-07:00

Este 15 de mayo se cumple una década de la muerte de Frank Sinatra, para mi el mejor cantante de música popular del siglo XX, sobre su vida datos hay por miles en la red de modo que aquí solo quiero comentar el cómo y porqué me transforme en sinatriano hace ya varios años.
Un amigo de mis Padres era fanático de Sinatra y cada vez que íbamos a su casa yo, en ese entonces de 14 o 15 años, veía la cantidad de discos que tenía de el y de como los escuchaba casi con religiosa atención, sin proponermelo empecé a poner atención en sus canciones y este amigo atento a mi curiosidad empezó a guiar de alguna forma este paulatino interés musical, así fue como casi imperceptiblemente empecé a ponderar todo lo singular e excepcional de su canto, su fraseo irrepetible, esta forma nueva para la época de presentar su canto, con un natural histrionismo y una forma de decir la canción como si nos narrara solo a nosotros una historia acontecida a el, una cadencia un poco arrogante siempre, con una seguridad y prestancia que revestían de algo teatral su entrega, sentía que convertía una canción en un hecho más significativo que solo cantar, convertía la canción en un mini drama o comedia que actuaba frente a su público.
Estaba revestido de un aura especial, concitaba nuestra atención de manera absoluta, he sentido que su timbre vocal es el mas hermoso con el que ha estado dotado un cantante, creo que fue un animal de música, no lo veo en otro oficio, sin el, la historia musical del siglo XX habría sido más pobre.
Marcó todo el siglo con su arte, señaló camino, enseñó cómo se cantan las baladas de amor con extraños en la noche, cómo se interpreta una canción desde el fondo de la tristeza con hojas de otoño, cómo se cuenta una historia de esfuerzo y soledad con old man river, en fin, dio cátedra con cada interpretación, es un modelo a seguir, en ese sentido, es un clásico en rigor total, no hay buen interprete hoy que no le deba algo al estilo Sinatra, todos para ser buenos de verdad tienen que que observar su arte, así como los pintores estudian los maestros del renacimiento o del barroco, los cantantes tienen en empaparse de Sinatra para luego buscar un camino sin perder el rumbo.
Lo veo hoy como una brújula, un faro que nos señala rumbo para no perdernos en la mediocridad de baladistas del tercera que no se diferencian en nada unos de otros, quién puede decir hoy que es un artista de la singularidad y estatura musical de Sinatra, ninguno.
Nos legó una manera de cantar, la correcta.
Una manera de enfrentar el arte, con singularidad y aplomo.
Larga vida al maestro.

En las fauces de la locura

2008-04-20T08:35:00.000-07:00

Este es el título de un cuento de lovecraft pero resume muy bien a mi parecer el sentido último del filme "Rescue Down" del maestro Werner Herzog. Nos remonta a los inicios de la guerra de Vietnám, donde una misión de rutina termina en un viaje al infierno con algún paralelo a esa monumental película llamada "Apocalipsis Ahora", tambien ahi había un viaje al corazón de las tinieblas, al decir de Conrad, de donde Coppola toma inspiración.

En esta opornunidad Herzog se vale de un relato verídico para adentrarse una vez más, y sólo como el sabe hacerlo, en el proceso de enajenación de la mente humana frente a una "misión" impuesta o autoimpuesta e inmerso en una naturaleza que juega con el hombre como una más de las infimas criaturas que la pueblan.

El protagonista cae prisionero de las fuerzas vietnamitas y va a dar a una prisión en medio de la selva habitada por uno de los más lucidos, y angustiantes en su demencia, grupos humanos. Seres inmersos en un proto-conflicto bélico que sin embargo ya acusan los efectos de un encierro prolongado y de una rutina que no hace más que degradar su condición humana.

De ahí en adelante el filme es un estudio del proceso de negación de la condición de prisionero y de la elaboración de una táctica de escape del infierno "verde", en donde cada naturaleza obra según su estado de daño mental o fortaleza espiritual, el ser humano enfrentado a un transe de ese tipo, o se hunde en la locura o flota en la fortaleza de su espíritu para seguir adelante, de estas posibilidades vemos ejemplos abismantes en ese grupo de seres antes mensionado, y Herzog nos muestra una vez más hasta donde es capaz de llegar un hombre tras su propósito, ya sea queriendo construir un teatro de ópera ( Fitzcarraldo), persiguiendo El Dorado ( Aguirre, la ira de Dios ) o escapando hacia la libertad y la salvación ( Rescue Down ).

Otra gran muestra del poder de las imagenes tras la lente de Herzog y de la poderosa configuración de sus personajes cuando enfrentan situaciones límites, como si ellos fueran parte integral de esa naturaleza que los desafía, como si fueran una fuerza más de la naturaleza en lucha con ella misma.

Más que un filme bélico, un estudio de la condicíon del hombre puesto a prueba consigo mismo y con las condiciones que el mismo genera, la guerra no es una importación del espacio exterior, y de como maneja esas situaciones límites, las más de las veces dejando la cordura como un bien escaso dentro de nuestra especie.

José Luis A.

La película más hermosa

2008-04-17T17:00:00.000-07:00

Fue un invierno a finales de los setenta, tendría 14 o 15 años, fuí al cine sin un programa determinado, a ver lo que me "tincara", pase frente al ex cine Toesca ( huerfanos casi teatinos ) se proyectaba "Los Paraguas de Cherburgo", entré en la sala ya oscura y no se veía casi público, me sorprendió antes que nada que fuese una cinta enteramente cantada como una ópera no como un musical americano en los que se habla y canta.

Me cautivó de inmediato la melodía y su tristeza dolorosa y melancólica, sentí empatía con una historia de amor tan esencialmente romántica, de un amor sufrido que más nos emociona al ser llevado por una partitura de lacerante belleza, un amor con ese componente trágico de toda gran história de amor, un amor con esa cuota de imposible o de "lo que no fue", un amor que trae alegría al comienzo y mucho dolor después para cerrar con un olvido (que no es tal) y una vida que sabemos fue menos feliz de lo que podría haber sido si todo hubiese salido como queriamos.

La he vuelto a ver infinidad de veces y siempre me emociona como esa primera vez en que salí del cine con la sensación de haber visto la más bella história de amor.

Paginas Escogidas.

2008-04-14T07:25:00.000-07:00

...Estúpidos cerdos, aullé levantándome, ensuciais el espíritu mismo del amor.

La calle estaba vacía. No había más que la luna que continuaba sus murmullos de agua.

¿Cuál es la mejor bagatela, cúal es la alhaja más bella, cuál es la almendra más jugosa?

Ante esta visión me sonrreí.

No es el diablo, ya lo vez, me dijo ella.

Y no, no era el diablo, mi criadita estaba en mis brazos.

-Hace tanto, pero tanto, me dijo, que te deseaba.

Y fue el puente de la gran noche. La luna volvió a treparse al cielo, Hoffmann se soterró en su cueva, todos los fondistas recuperaron su lugar, ya no había más que el amor: Eloisa con abrigo, Abelardo con tiara, Cleopatra con áspide, todas las lenguas de la sombra, todas las estrellas de la locura.

Fue el amor como mar, como el pecado, como la vida, como la muerte.

El amor bajo las arcadas, el amor en el estanque, el amor en un lecho, el amor como la yedra, el amor como macareo.

El amor grande como los cuentos, el amor como la pintura, el amor como todo lo que es.

Y todo eso en una mujer tan pequeña, en un corazón tan momificado, en un pensamiento tan restringido, pero el mío pensaba por dos.

Del fondo de una ebriedad insondable, el pintor sobrecogido de vértigo se desesperaba súbitamente. Pero la noche estaba bellísima. Todos los estudiantes regresaron a sus habitaciones, el pintor recobró sus cipreces. A mi pensamiento lo llenó poco a poco una luz de fin de mundo. Y pronto no hubo más que una inmensa montaña de hielo sobre la que colgaba una cabellera rubia.

Antonin Artaud, un fragmento de "La vidriera de Amor".

José Luis A.

paginas escogidas

2008-03-30T15:03:00.000-07:00

Este es un fragmento del poema Espergesia, del gran Cesar Vallejo, son los versos iniciales y finales del poema y creo resumen fuertemente su sentido trágico de la vida

Yo nací un día

que Dios estuvo enfermo.

Yo nací un día

que Dios estuvo enfermo,

grave.

José Luis A.

Tango de que hiciste mal ( y sin embargo te quiero )

2008-03-29T06:37:00.000-07:00

Astor Piazzolla contaba una anecdota que le sucedió en Buenos Aires, subiendose a un taxi el chofer al reconocerlo le dijo " por favor bajese maestro que yo soy de troilo", la contaba con humor pero creo que en fondo le dolía, sobretodo porque además de haber sido bandoneonista de troilo sentía que lo que el hacía era tango, un tango nuevo pero tango.

Esta dicotomía entre tango y Piazzolla es un sentimiento compartido por muchos tangómanos en el mundo, a mi no deja de sorprenderme ya que si uno escucha con verdadera atención a Piazzolla descubrirá tarde o temprano que lo suyo era tango, un tango que germina y sin perder en ningún momento su raíz florece incorporando elementos de la musica clásica y el jazz, un tango que permeó a los estudios del maestro en París y a su propia convicción de lo que era en definitiva la "musica porteña".

No sólo creo que suene a tango porque la melodía la guía un bandoneón sino porque va fundiendo permanentemente tango y milonga hasta en las piezas más "despegadas" del sonido tanguero original.

Por qué era tango lo de Piazzolla, porque el tango es la base y la estructura de la melodía, porque el "sonido" tango o milonga es lo que impregna toda la pieza musical, porque en sus obras se siente poderosamente la musica urbana y sus personajes y de AHI se expande hacia otras latitudes pero sin perder ni apartarse un ápice de su origen, no es jazz ni es musica "docta", es el tango en alas de un músico excepcional que supo dotarlo de una estructura musical que sin hacerle perder su esencia lo saca de su envase para hacerlo crecer y dotarlo de altura clásica, sólo una gran música resiste la prueba y el tango la resistió, sólo un genio pudo llevar a cabo esta empresa y Piazzola lo logró, gracias a su arte el tango se puede tutear con la musica de todas las épocas y de todos los estilos, a Piazzolla le debemos la herencia musical de latinoamérica al mundo: el tango.

José Luis A.

En el valle de Elías

2008-03-26T12:23:00.000-07:00

Las películas que mejor retratan los horrores y errores de una guerra son, probablemente, las que ocurren lejos del campo de batalla común y se adentran en una zona de conflicto tanto o más sangrienta y dolorosa: el interior de un ser humano o un grupo familiar, ejemplos hay muchos pero en este momento recuerdo la magnífica "El Cazador" de Michael Cimino, por citar una.

Los conflictos bélicos, desatados casi siempre por intereses político-económicos traen consigo una suerte de daños colaterales que dejan virtualmente destruidas muchas vidas, junto a los soldados en el campo de batalla hay otros muertos y heridos, sus familiares que desde lejos sufren el día a día del enfrentamiento con la muerte y la destrucción, como si esto no bastara los mismos soldados han de enfrentarse a un daño sicológico que los marca para siempre, nunca es el mismo el ser que ha enfrentado una guerra, la tortura o la desaparición.

Este filme de Paul Haggis ( "crash" como director y "million dolar baby" como guionista, entre otras cintas ) da cuenta de esto de una muy buena forma, al retratar de manera muy clara el proceso de toma de conciencia y de descubrimiento de la verdad de unos padres ( tommy lee jones y susan sarandon) cuyo hijo recien llegado de haber "servido" en el frente Iraquí, desaparece sin motivo alguno de su cuartel luego de una noche de juerga con sus compañeros de armas.

Aquí es donde pone el acento Haggis, en el proceso de busqueda de la verdad que emprende su padre y de como va acercandose a ella dolorosamente, hasta comprobar que su hijo, profundamente dañado sicológicamente es hecho "desaparecer" por sus camaradas para ocultar un crimen absurdo pero entendible dentro del proceso demencial al que han expuesto sus vidas para, como nos dice Bush, ganar la batalla al mal.

Una cinta construida a partir de una narración clásica y soberbias actuaciones, donde sin movernos desde U.S.A. nos metemos de lleno en la barbarie del conflicto en Iraq y sus consecuencias para una familia literalmente destruida por "servir a la patria".

Un guión que sin prisa pero sin pausa nos lleva a descubrir junto a los protagonistas qué sucedió, actuaciones que dan cuenta de seres devastados por la perdida de sus hijos en el absurdo de un conflicto armado, un alegato contra un grupo de seres que con todo el poder en sus manos han llevado a su pais a la perdida de mas de cuatro mil vidas a la fecha solo en lo concerniente al conflicto en Iraq, una cultura militarista y armamentista que se erige guardadora y salvadora de la paz mundial y nos muestra sus manos teñidas de sangre propia y ajena quizás como ningún otro Imperio en la história de la humanidad.

José Luis A.

Mild und leise ( dulce y calmo )

2008-03-26T08:48:00.000-07:00

Esta aria es la que canta Isolda ante el cuerpo sin vida de tristán en la abismal opera de Richard Wagner, cada vez que la oigo es como si emprendiera un viaje ( similar cosa me ocurre con las sinfonías de Mahler ) hacia un punto distante en el espacio, ya que se suceden ante mi sensaciones similares al vértigo que se experimenta al constatar que nos encontramos a gran altura en algun lugar.

Hace varios años realizando un viaje desde Calama hacia Antofagasta en la noche, detuvimos el vehiculo en un sector de oscuridad absoluta para admirar el cielo nocturno en el desierto, es una imagen indescriptible por su belleza e inmensidad, la infinitud retratada ante nuestros ojos, un abismo de luz, de colores y formas como no hay otro, podriamos "perdernos" en esa contemplación sin tiempo descubriendo sin cesar formas y tonalidades, literalmente de otro mundo.

Me tendí boca arriba mirando el cielo y sin percibirlo me fui "metiendo" en el firmamento, con una suerte de vértigo empeze a "irme" hacia arriba y a sentir corporalmente la sensación de estar en una tierra relativamente firme, ya que vagamos de alguna forma en un espacio inconmensurable, no volví a tener esa "sensación física" de viaje virtual hasta que escuche el aria que mensiono, y me sucede cada vez que la oigo.

Ha de suceder a muchos, creo es una virtud de la gran musica y de quienes la disfrutamos y apreciamos, hay en sus acordes un algo hipnótico que me saca del "aquí" y me lleva hacia su territorio, esa cualidad del cielo nocturno en el norte, esa cualidad de esta música que costituye en si un universo paralelo lleno de luz y sonidos en donde muy en el fondo nos encontramos con lo que en realidad somos: polvo de estrellas.

José Luis A.

Cien años de soledad ( veinte años después )

2008-03-24T15:32:00.000-07:00

Hay libros sobre los que en algún momento uno vuelve, a veces más de una vez, me ha sucedido con autores como: Dante, Milton, Steinbeck, Cortázar, Coloane, O"Neill, Rojas y García Márquez por citar los que se me vienen de inmediato a la memoria o he recurrido más.

Ha de ser que sus obras frente a cada re-lectura nos dicen algo nuevo o agregan algo distinto a lo ya dicho, sucede siempre con la gran literatura y en general con las grandes obras de arte, que no agotan su discurso a una primera lectura, es como una persona que nos presentan en una oportunidad, no podemos decir que la conocemos hasta no entablar algún tipo de relación con ella.

Me ha sucedido ahora con la novela "Cien años de soledad", la leí por primera vez hace casi veinte años y guardaba algunos recuerdos ya no muy frescos sobre la anecdota y los personajes, me ha vuelto a capturar como hace veinte años, ya no la peripecia en si, sino la profundidad en la pintura de los caracteres y el medio físico natural y sobrenatural en el que se desenvuelven, por otro lado he digerido mejor su clave política si podemos llamarla asi, las saga de los buendía, macondo y sus habitantes, representan de gran forma el devenir de nuestro continente, aspecto que escapó a mi primera y hasta ahora unica lectura.

Esto ha hecho que la vea como una crónica, más que como una novela, lo que no me ha restado a disfrutar de su prosa fantástica y de su estilo por momentos de un barroco exsultante y profundamente hispano y de sus personajes teñidos de elementos de lo fantástico pero al mismo tiempo de una gran y profunda "humanidad" casi como arquetipos dotados de una sicología de gran envergadura en convivencia con su dimensión sobrenatural.

Ha sido esta una lectura más "social" que la primera, he podido apreciar mucho mejor su dimensión "política", he asimilado de mejor forma su estilo y estructura, creo que he hecho una lectura más lúcida y por lo mismo, más acabada de los elementos que la conforman, estoy seguro que si vuelvo sobre ella en unos años más, tendra nuevas cosas que contarme.

José Luis A.

Mahler: la dimensión cósmica del alma.

2008-03-17T14:30:00.000-07:00

Asistir a la ejecución de una sinfonía de Gustav Mahler es lo mas cercano a realizar un viaje sin desplazarse fisicamente, probablemente similar al "viaje" que algunos realizan mediante la ingesta de algún alucinógeno. Sabemos donde se inicia el camino pero no hay certeza de donde llegaremos o que nos ocurrira en ese camino, sucede como en los viajes que el paisaje va cambiando, pasamos de una vejetación exhuberante a un desierto de dimensiones inconmensurables, de una selva tropical poblada de infinitud de sonidos a un probable paisaje de nieves eternas anidadas en el corazón del compositor, a veces irrumpe un mar bravío que casi hace zozobrar nuestra embarcación para despues quizas llevarnos a una isla desierta donde se nos revela un panorama prehistorico donde recien la vida esta en formación, para de ahi lanzarnos tras breve pausa a una expedición por el espacio, pareciera siempre que una sinfonía de mahler incluye una visita al origen del universo, que puede tambien ser un descendimiento al fondo del alma humana, sea como sea, el hombre en cuanto ser humano, es el centro de este viaje de busqueda y revelación.
Particularmente en la quinta sinfonía siento que nos lleva en un recorrido por su mente, su espiritu y el de Alma, su entonces flamante esposa, lei en alguna parte que la composición de esta pieza coincide con su matrimonio y siempre me ha parecido que en la partitura van presentandose dos naturalezas distintas que en el curso de este viaje empiezan a confundirse para hacia el final transformarse en una melodía nueva, nacida de la fusión de estos acordes "paralelos" del comienzo, esa dolorosa marcha funebre que por momentos da paso a una dulcisima intervención de las cuerdas para volver a aparecer como un virtual leit motiv creo que es la raiz de esta musica, dos mundos, dos naturalezas que luchan por armarse en un solo cuerpo sonoro y transitan desde la diversidad hacia la complementacion, pasando por estados ( que pueden verse o leerse como paisajes) de diverso tenor, que van del profundo lirismo del adagietto, por ejemplo, al feroz "sturm und drang" del primer movimiento, como dos "materias" que luchan en el crisol antes de fundirse y dar paso a un nuevo metal que en su nuevo estado forma un cuerpo distinto pero a la vez depositario de los materiales que le dieron origen.

José Luis A.

Escrito a raiz de la interpretación de la quinta sinfonía de Mahler el sabado 15 en el teatro de la universidad de Chile bajo la dirección del maestro Francisco Rettig.

el libro de los abrazos

2008-03-11T16:25:00.000-07:00

Este es el título del libro publicado por Eduardo Galeano en 1989 y que en su decimoctava edicion ( 2007 ) acabo de terminar, ya en su primera pagina nos dice : Recordar, del latín re-cordis, volver a pasar por el corazón.
Asi Galeano nos lleva en un recorrido por sus recuerdos, de la más variada índole y naturaleza, que va desde el relato íntimo de un momento familiar al comentario sobre política contingente, que puede transitar desde la semblanza de un personaje relevante de la cultura latinoamericana a la reproducción de un grafitti leido en Bogotá, Buenos Aires o Santiago de Chile.
Esta variopinta naturaleza del relato hace dificil un comentario pormenorizado de sus contenidos ya que son muchos y variados, cada relato, algunos de no más de cinco o seis renglones van tocando temas de muy distinta fecha y contenido lo que lo convierte en una suerte de collage literario donde diferentes formas, colores y materiales conforman un todo que solo se aprecia observando el total una vez concluida su lectura, es en ese instante donde asoma su forma definitiva la cual es el ser humano que ha vivido directa o indirectamente en paises que han estado bajo dictaduras militares de corte fascista, como sucedió en la mayor parte de la america del sur en la decada del setenta principalmente.
Galeano nos cuenta anecdotas, pensamientos, fantasias, relatos e historias trasuntadas del dolor de haber pasado por el transe histórico de haber sufrido un régimen dictatorial y sus consecuencias, dejando eso si finalmente en claro que toda la barbarie y todo el horror no lograron quebrar los sueños ni la dignidad de quienes sobrevivieron.
Relato profundamente humanista donde asoma como siempre el Galeano escritor-político-ensayista dejandonos un puñado de historias que estando trasuntadas muchas por la oscuridad arrojan una fuerte luz sobre la verdad histórica de nuestro azotado pueblo y sus artístas e intelectuales.

José Luis A.

dramaturgia anarquista en chile ( antología crítica )

2008-02-23T15:10:00.000-08:00

este ensayo de sergio pereira poza editado por la universidad de santiago con el aporte del consejo nacional del libro y la lectura 2005 viene a llenar de muy buena y oportuna forma un vacio importante en las publicaciones sobre teatro en chile, ya de por si escasas, en el sentido que expone profusamente y con detalle los pormenores del movimiento anarquista en nuestro pais, su llegada e inclusion en los circulos estudiantiles, intelectuales y artisticos desde donde irradia su cosmovision al resto de la sociedad dela epoca, tema bastante ajeno al lector no habituado a informarse sobre historia del teatro chileno ya que mayoritariamente los estudios sobre la dramaturgia en chile y su historia no han profundizado demasiado en este capitulo.
El autor repasa con meridiana claridad e informacion la historia del movimiento anarquista en chile y sus mas relevantes representantes, exponiendo ante el lector como se articulo su discurso antisistemico en contraposicion al monopolico y excluyente discurso oficial burgues que ha sido el preponderante en nuestra historia, este discurso politico de toma de conciencia del papel explotador de la clase dominante se va articulando en una exposicion dramaturgica de los principios ideologicos que sustentan el anarquismo y su propuesta de cambio social , termino este- anarquismo - victima del estereotipo y la malainterpretacion en la mayoria de los casos, dado es sesgo informativo y la tergiversacion de sus principios por parte del discurso politico oficial que opera casi sin contrapeso.
Texto que va mucho mas alla del mero interes en un capitulo de la historia de nuestro teatro, ya que nos adentra con abundante informacion en la cosmovision del anarquismo, sus primeras manifestaciones en chile, su evolucion e insercion en distintos estamentos sociales chilenos y su articulacion dentro de la dramaturgia nacional.

Jose Luis A.

una especie extinguida

2008-02-06T15:33:00.000-08:00

Soy de los que, como muchos, se hizo cinéfilo en tardes de sábado o domingo en cines de barrio, tardes de otoño e invierno principalmente, en los que el cine era el mejor y mas agradable panorama, mejor aun si la pelicula era vista junto a una "buena" compañía. Cines desde cuya pantalla grande ( grande de verdad) se nos presentaban actores y actrices que se convirtieron con el tiempo en figuras que asociamos a muchas experiencias de vida, en esas tardes aprendí a ver lo que era un western de verdad de la mano del maestro sergio leone, a vibrar con las desventuras de un giulianno gemma o a entender un poco mejor como se comporta un "duro" del oeste con lee van cleff.
En esas tardes "huidos" del liceo nos enamoramos de una gloria guida, una edwige fenech, una virna lisi o una ornella mutti y quizas tambien de una maria jose cantudo, tardes en que reimos con la picardía de adriano celentano y lando buzzanca o donde vimos mas de una joyita sin saber muy bien de qué se trataba, primero por lo cortada que podía estar y después por nuestra ignorancia respecto al tema, cito como ejemplo un par de filmes del maestro miklos jancso.
Tardes en que supimos del "gore" y del "soft core", de tob hooper y tambien de fellini probablemente, de "la montaña de los ojos malditos" y de "amarcord" o unos años antes en un cine de cartagena "el exorcista", tardes que se fueron como esos cines extinguidos por la mano del hombre, que los fue abandonando de a poco o devorados por la economía de libre mercado, que no sabe ni entiende de cine ni de poesía.
Tardes en que soñabamos como los espectadores de "cinema paradiso" con ese mundo fantastico que veiamos tan real desde nuestras desvensijadas butacas de platea alta o galería, y tambien tardes en que no sabiamos qué pelicula habíamos visto ya que estaba "mejor" lo que sucedía en la platea, que mejor lugar para un pololeo adolescente que un cine, ninguno.
Todo eso quedó atrás, que falta hacen los cines de barrio, son parte de la cultura popular de cada pais, que pobres somos sin esas salas, que chata una juventud que no ve mas alla del chat y del play station, dónde se habrán ido esas actrices y esos actores, que solos nos sentimos sin su compañía, que solos estamos sin los rotativos, esos de los programas triples en el nilo, el plaza, el mayo, el bandera, el roxi, el valencia, el nacional, el libertad, el prat y tantos, tantos más.
Alguien me dijo que pagaron el precio del progreso, aun me pregunto de qué progreso me hablaba.

jose luis A.

el justo equilibrio

2008-02-03T15:25:00.000-08:00

Dentro de la oferta lirica de youtube podemos encontrar varias interpretaciones del aria " ah, non credea mirarti" de la opera la sonnambula del compositor vincenzo bellini, este conjunto de versiones sirve de muy buena manera para aquilatar la belleza lirica del aria, sus grados de dificultad y la forma en que es enfrentada por las sopranos de acuerdo a sus capacidades interpretaivas ya sea en lo musical y dramatico.
conviene aqui entrar en la primera seleccion que se inicia con las que mas se apegan al estilo belcantista propio de la obra y que en este caso yo calificaría de las historisistas, en general se trata de una linea de canto de gran belleza y calidad tecnica pero, a mi parecer, que descuida en algun grado el elemento dramatico y una cuota de singularidad que toda interpretacion debe contener, dentro de este rango encontramos la performance de j. anderson, e. gruberova , s. jo y e. parcells.
llegamos mas adelante a una suerte de mixtura entre el tipo de canto anterior y una mirada mas personal al estilo por parte de la cantante lo que convierte el canto en una buena muestra del estilo pero que agrega una teatralidad vocal no nitidamente presente en el primer grupo de artistas a que aludi. dentro de este grupo encontramos a: n. dessay, c. bartoli, i. cotrubas y a. moffo.
son grandes interpretaciones, presonales y de tecnica impecable como en el caso de dessay y bartoli.
asi derivamos de a poco al estamento mas dramatico, donde se antepone un sentido muy doloroso de la interpretacion que sin dejar de lado el espiritu del aria le confiere un color mas oscuro que el belcantista y abre la audicion a sensaciones un poco distintas de las interpretaciones que llame historisistas, aqui sin duda el canto de m. callas queda como el mejor ejemplo junto al de b. sayao, ambas de calidad insuperable dentro de sus registros.
finalmente apunto a la que he considerado la mas completa, sin dejar de reconocer que todas las antes aludidas parten de un nivel de excelencia hacia arriba fruto de interpretaciones ciento por ciento profesionales, me refiero a la de anna netrebko, se encuentra dividida en 2 partes y esta tomada de un recital, encontramos en la base interpretativa una muy depurada tecnica que sirve de soporte pero que no se "impone" sobre los elementos interpretativos, toma lo mejor de una callas por ejemplo y le agrega la belleza del canto de una dessay o bartoli, con un sentido del decir dramatico no muy frecuente y sin descuidar una delicadeza en la entrega que la convierte en una formidable version. creo que netrebko supo combinar y equilibar prodigiosamente todos los elementos que entran en juego, belleza belcantista, la melancolia musical propia del aria, un sentido muy teatral del decir, actuacion , tecnica e interpretacion, el justo equilibrio que marca la diferencia muchas veces en la opera y en otras artes.
sin duda esta joven soprano a evolucionado rapida y de muy buena forma a un canto tremendamente expresivo y teatral acompañado de una evolucion tecnica que convierte en este caso su entrega en un buenisimo ejemplo de como combinando tecnica y expresion se logran inmejorables resultados.

jose luis A.

vamos al cine ?

2008-01-25T17:41:00.000-08:00

ir al cine es mucho mas que ir a ver una pelicula, es de algun modo como ir a misa ( con perdon de los catolicos, lo digo con todo respeto), ya que vamos a un lugar a encontrarnos con algo que nos trasciende, vamos a ver en "comunidad" o sea a comulgar "con" otros un hecho que nos hablará, si el filme es bueno, de nuestra naturaleza y destino, entramos a un lugar donde reinará la oscuridad y el silencio fuera de lo que "sucederá" en la pantalla para que nos concentremos y adentremos en el fenomeno.
Nunca sera lo mismo ver una pelicula en casa, por mas pulgadas que tenga nuestro plasma o lcd y por mas high fi que sea nuestro equipo. La textura de una pelicula en celuloide no es reemplazable para mi, por eso digo que no da lo mismo un filme en video de alta resolucion que una pelicula en celuloide, como no me es lo mismo un truco computacional al barco "de verdad" cruzando un cerro "de verdad" en fitzcarraldo de herzog. Es verdad que hoy tambien en los cines vemos cascadas de efectos y toneladas de computacion, pero el hecho del tamaño de la pantalla y ese no se que "romantico" de la sala oscura hace la diferencia aparte de no ver (salvo ocasiones) videos en pantalla grande.
Murió el cine pedro de valdivia, otro mas, lo mató su publico en la medida que dejo de ir, lo mato el mercado porque ya no era "negocio", lo mató el plasma y el lcd o el mas "antiguo" home teather, lo mataron las multisalas con sus ofertas de mas peliculas, donde uno va mas a ver "alguna" pelicula que "la" pelicula que le interesa ver.
Podremos seguir "yendo al cine" por mucho tiempo mas? o es mejor que nos acostumbremos a dvd y a la "comodidad" de nuestro hogar?

4 meses, 3 semanas y 2 dias

2008-01-22T15:37:00.000-08:00

Este es el titulo de la pelicula ganadora de la palma de oro en cannes el año pasado, su director, el rumano cristian mungiu un ex profesor y periodista nacido en 1968, comentaba en una entrevista que forma parte de un proyecto titulado "relatos de la edad de oro" titulo ironico y con algo de humor negro, ya que retrataria aspectos que tienen que ver con distintas opciones personales frente a determinados hechos durante el regimen dictatorial de nicolai ceaucescu.

En particular "4 meses..." relata un dia en la vida de dos jovenes mujeres estudiantes que deben enfrentar directamente el tema del aborto, una de ellas decide abortar un bebe con el tiempo de gestacion a que alude el titulo del filme, en esto la ayuda su amiga de cuarto y estudios quien establece los contactos necesarios para llevar a cabo la operacion y la asiste en todo lo que puede para que este trance sea lo mas rapido e inocuo posible, aun a costa de hacerse cargo de problemas que no le atañen directamente y de sufrir en gran medida con los efectos "colaterales" del hecho, no quiero referirme a la anecdota ya que gran parte del valor de la pelicula reside en ella y es bueno verla sin mayores antecedentes.

Minguo construye un relato a partir del minimalismo, tanto en acontecimientos como en imagenes, se da una suerte de atmosfera "chejoviana" en el relato, los personajes hablan de nimiedades la mayor parte del tiempo mientras sus destinos los llevan como hojas en el viento o se perfilan como parte de un sino tragico impuesto por fuerzas que no manejan, la critica al regimen es mas que evidente pero no es obvia ni panfletaria y esta fundamentada mas en hechos cotidianos que en un discurso politico, el estado castiga fuertemente el aborto y quienes por cualquier motivo deben recurrir a el, saben que lo hacen a riesgo de su vida o años de carcel, es aqui donde el director pone uno de los acentos: un estado policial que maneja nuestras vidas y decide que nos conviene y que no, y que debemos hacer y que no.

Relato profundamente humano, que resalta el valor de la solidaridad, la amistad y el compañerismo de dos jovenes frente a la adversidad y la opresion. Una gran pelicula que paso fugazmente por nuestra pauperrima cartelera en 2007 y que ahora en dvd conviene revisar como un documento de la "vida privada" bajo regimenes dictatoriales, sean estos de la orientacion que sean. Gran trabajo actoral y un guion que en la quietud de la camara y largos planos secuencia nos hace entrar profundo en la complejidad del ser humano cuando se enfrenta a decisiones trascendentales donde criterios politicos poco y nada saben hacer.

Jose Luis A.

Un amor para toda la vida

2008-01-18T13:25:00.000-08:00

En 1985 el premio nobel de literatura, gabriel garcia marquez publica su novela "el amor en los tiempos del colera" donde en sintesis narra las desventuras de florentino ariza y su amor por la joven fermina daza, a quien su padre prohibe entablar relacion con el joven, lo que desemboca en que florentino presa de un amor tan grande como obsesivo, la espere 51 años 9 meses y 4 dias para consumar su pasion, en ese lapsus se suceden cantidad de acontecimientos que los involucran a ellos como ejes de la narracion y a sus familias y relaciones sociales como marco descriptivo de unos personajes que se debaten permanentemente en laberintos pasionales de distinto tenor, sin llegar a ser una "novela rio" g. marquez se da el tiempo de narrar los acontecimientos con esa belleza descriptiva que le es tan propia junto a un delicado y profundo dibujo de los caracteres, siempre, en este caso, al borde de lo fantastico, lo que impregna el relato de un romantisismo de profunda factura donde el "sturm und drang" ( tormenta e impulso ) goethiano encuentra un eco latinoamericano de gran estatura.
No pasaron 51 años, pero si 22, para que de la mano del ingles mike newel ( bailando con un extraño, 4 bodas y un funeral, la sonrisa de monalisa ) nos llegara la adaptacion cinematografica de esta novela. Adaptar al cine cualquier gran texto ya es una hazaña digna de destacar, y creo que en este caso la adaptacion del sudafricano ronald harwood ( el pianista ) tiene el doble merito de poner en pantalla de muy buena forma gran parte del imaginario garcia-marquiano y construir un relato que hace justicia absoluta a la novela.
El gran director aleman josef von stemberg, decia que las novelas se mueven en distintos y diferentes niveles narrativos y que el cine debe tomar como base uno de estos niveles y desarrollarlo al maximo, es la unica forma de que la pelicula no naufrague en un mar de imagenes literarias que pueden ser de gran belleza y significancia en el papel pero que en la pantalla pierden fuerza y belleza si es el caso, creo que el filme de newel es un caso de acierto narrativo bajo esta premisa ya que lleva su relato con gran limpieza y economia de simbolos y signos lo que redunda en que nos concentramos en lo esencial: la pasion desbordada de florentino y su transito hacia la concrecion del ideal amoroso junto al fermina, lo que fue un amor desbordado y sufriente en su juventud va mutando a una pasion madura y quieta, aunque igual de profunda, donde vemos la evolucion profundamente humana de un sentimiento que no se agota y que se alimenta a si mismo con solo la vision casi permanente del ser amado o la sensacion de sufrimiento al no poder observarla a diario.
Con un elenco mayoritariamente de origen latino, una fotografía que destaca los ambientes con gran acierto y una cuidadisima direccion de arte en donde sobresale un gran trabajo de maquillaje, newel da un ejemplo de qué hacer frente a un relato de la hondura del de marquez cuando se lleva a la pantalla procurando que en definitiva la "inspiracion esencial" de la novela este presente y sea el impulso que hace avanzar el guion.
Esencialmente el relato es la pintura de un amor desbordado y eterno, y el filme da cuenta de ello de manera absoluta. Un amor para toda la vida, que mejor le puede suceder a un ser humano.

jose luis A.

peyton place : la caldera del diablo

2008-01-11T13:28:00.000-08:00

EL año 1957 mark robson dirige este melodrama centrado en la vida de los habitantes de un "tipico" pueblo norteamericano justo antes del ataque japones a perl harbour y durante un año despues, esta pelicula da lugar a la serie de t.v. del mismo nombre y que en algun momento se dio en nuestro pais.
La pelicula no recuerdo haberla visto antes pero si la serial y creo que reflejaba la vida de este grupo humano mas desde del lado de los conflictos entre vecinos y familiares tomando como eje las dificultades del diario vivir que otra cosa.
El asunto es que la pelicula, para sorpresa mia, es un muy buen estudio y denuncia de la falta de educacion sexual en una sociedad represora y reprimida y que mas que enfrentar las inquietudes juveniles al respecto, los coarta y derechamente reprime como una forma de solucionar el problema ocultandolo y no enfrentandolo, gran parte del metraje del filme que dura 157 minutos, asistimos a una serie de conflictos originados por la conducta represiva y a veces violenta de los padres y los conflictos generacionales de unos jovenes que sienten el despertar sexual sin saber como enfrentarlo o enfrentandolo con miedo, hay mucha violencia subyacente en algunos adultos y flagrante en otros, lo que hace temer a los jovenes y equivocar sus desiciones por falta de informacion o temor de preguntar cosas que mas que respondidas seran reprimidas o castigadas.
Asistimos asi a una pelicula de "denuncia", que nos habla de una sociedad pacata e hipocrita que oculta los problemas bajo un manto de falsa religiosidad y que en vez de educar y formar, castiga y reprime.
Invito a revisar esta cinta casi como un documento social sobre una sociedad que guia a sus hijos en el miedo, la pacateria y el temor de los instintos naturales del ser humano y no como deberia ser: una sociedad que eduque a su gente para vivir una sexualidad plena y responsable.

maria jose siri : la voz humana

2008-01-09T15:25:00.000-08:00

de toda la oferta de cantantes liricas que se encuentran hoy por hoy en you tube, sorprende gratamente la joven soprano uruguaya Maria Jose Siri, posee un material que si bien no es muy escaso, cuesta encontrarlo en esas condiciones, esto es, una voz de timbre profundamente dramático unido a un buen caudal que bien manejado ha de conferirle a su canto una fuerza no demasiado vista hoy en día en que abundan mas las voces delgadas de bello timbre que las del tipo que posee Siri.
Hay en su voz tambien una especie de oscuridad en el color que, creo, con los años la puede llevar a asumir roles de mezzo e incluso con el tiempo y el estudio adecuado papeles wagnerianos.
Parece una voz hecha "para la opera" por estas caracteristicas que describo, principalmente roles dramaticos y veristas ya que en mozart suena pesada y con poca agilidad lo que mirado con una optica mas abierta le puede conferir una lectura diferente que al final convierte un "defecto" en una "cualidad".
Lo que se advierte claramente es que falta manejo de los pianissimos, esto es patente en una aria de "la rondine", pero creo que se debe a que aun puede estar en proceso de dominar su caudal. De lo oido hasta ahora me quedo con arias de : la walli, traviata y la boheme.
Una voz con mucho que "decir" aun, y que si es cuidada y manejada como corresponde puede convertirse en una de las grandes, por la extencion de roles que puede asumir, por esa cualidad dramatica no muy abundante y por un natural talento teatral que se agradece por lo escaso y dificil de encontrar en la lirica.
Es un camino largo y dificil pero que se facilita cuando hay cualidades y ventajas como las señaladas y en Siri las hay a primera vista.

Jose Luis.

Madama Butterfly : hondor trágico

2008-01-05T13:19:00.000-08:00

En mas de una oportunidad hemos leido que la opera esta intimamente ligada a la tragedia griega clásica, en el sentido de que la intención de la camerata fiorentina fue revivir en pleno siglo XVI este genero dramático, si la intención de re-vivir la tragedia griega resultó o no, es un tema debatible, lo que no se puede desconocer es que una parte fundamental del espiritu de la tragedia se concretó de manera indiscutible en el género lírico: la puesta en escena de un acontecimiento funesto y terrible, en el que los personajes se ven enfrentados a un conflicto que inevitablemente desemboca en hechos fatales.
Estudiosos de la cultura helénica y algunos antropólogos han visto en la tragedia la trensposición de ritos funerarios, y antes, nietzche la vio como una forma compuesta resultante de la fusión de una corriente apolinea con otra dionisiaca, agrandes rasgos la podemos definir como la lucha de un heroe o heroina en oposición a una fuerza de cuyo enfrentamiento resultan acontecimientos catastróficos.

En atención a estos elementos se infiere facilmente que "madama butterfly", obra referencial del maestro puccini , contiene en si, de manera muy clara y contundente los componentes de la tragedia griega transmutados al género lírico, ya que toda la obra esta estructurada con profundo sentido ritual y una economía de acontecimientos de la llevan de forma muy directa e inevitable a la catastrofe final.
La limpieza de la trama y lo despejado de la acción, la hacen profunda y directa, no hay confabulaciones palaciegas ni rencillas políticas envueltas en intrincados argumentos, hay dos vidas enfrentadas al amor y la muerte y poco mas, desde su aparición, cio cio san nos lleva a un mundo lleno de ceremonias y rituales, reflejo indudable de una cultura milenaria de antiguas tradiciones, esto contrasta fuertemente con el pragmatismo y descaro de pinkerton y la ambivalencia y comodidad de sharpless. No son ritos vacios de contenido ni de mera repetición formal, sino investidos de un conjunto de signos y simbolos que nos representan la cultura y personalidad de butterfly: el llevar cuidadosamente elegidos los objetos referenciales de su vida de soltera, la renuncia al credo budista para adoptar la religión de pinkerton, el dar la mano a su esposo como señal de gran respeto son momentos de gran significado dentro de los acontecimientos que precipitan la tragedia que va desarrollandose guiada por mano invisible y nefasta como augurio del sino trágico encarnado en esta adolescente "condenada a muerte" como su padre, como si su karma llevara esta "herencia" vida a vida.

Todo este hondor trágico se nos presenta desde el mismo comienzo, ya en las primeras escenas pinkerton aclara que el matrimonio con cio cio san será una farsa, tánatos disfrazado de eros, caza su presa frente a nuestros ojos.
Musicalmente los leit motiv se van sucediendo como pivotes que sostienen el giro de las demás melodías, primero el de la muerte subrayando momentos como el de la alución a la muerte del padre o cuando ella extasiada le dice a pinkerton "amor mio" ( amor y muerte son lo mismo en la estructura musical de esta opera ), muy importante ademas es el leit motiv del abandono, cuando butterfly ya renegada queda a solas con su esposo, muerte-amor y abandono se constituyen asi en temas conductores que determinan el camino de la partitura y por ende de nuestra heroina trágica que finalmente va quedando sola hasta determinar su propia muerte.

Cuando asistimos a nuestra propia catarsis trágica por la compasión, que los griegos definieron como una depuración o liberación de los sentimientos en forma de emoción, nos sentimos llevados por esta música que nos transporta desde un lirismo casi impresionista de marcado acento oriental a unos acordes de inspiración romántica cargados de profundidad y densidad. En una oportunidad puccini confesó " En el dolor, en la amargura y en los tormentos del alma, siempre hallé inspiración para mis mejores escenas. Ciertamente me agrada la melancolía...cuando en mi alma se refleja la tristeza y la melancolía, nacen mis melodías. Cuando sufro al componer, me siento vivir, siento la maravillosa sensación de vivir."
El dolor, la amargura y los tormentos del alma signan el destino de butterfly, los mismos que inspiran a puccini su música, los mismos que nos devuelven a nosotros y al compositor esa "maravillosa sensación de vivir".

En el año del aniversario ciento cincuenta del natalicio pucciniano, creo pertinente y justo revisar sus títulos referenciales, e invito a los operaticos a mensionar, en este caso, las versiones que consideren importantes de esta opera, en todos los formatos existentes.

jose luis.

La Opera : puestas en escena

2007-12-31T13:55:00.000-08:00

Desde fines de los setenta asisto con alguna regularidad a las temporadas de opera del teatro municipal, desde la misma fecha acudo ocasionalmente a ver teatro, y siendo para mi la opera un arte de la representacion, quiero exponer aquí algunas dudas y certezas sobre la forma en que las direcciones escenicas enfrentan el montaje de un titulo lirico.

Siempre me llama la atención una suerte de desface entre las busquedas de lenguaje escenico que se dan en nuestro ambiente teatral y los montajes del teatro municipal, observo que con mayor o menor acierto, las compañías de teatro, sobretodo las jovenes persisten en una busqueda o exposición de los codigos escenicos nacidos de las vanguardias que han hecho escuela durante el siglo XX, esto nos posibilita ver montajes que recogen en distinta medida desde la estetica expresionista hasta rasgos de las busquedas de un grotowsky o un brook, por nombrar dos referentes de nivel mundial, pasando habitualmente por relecturas de brecht y últimamente por el movimiento ingles " in yer face".

No sucede lo mismo con los "regies" de nuestro teatro municipal, se insiste habitualmente en montajes que no dan cuenta en ningún momento de las vanguardias antes mencionadas, ofreciendo puestas en escena de una estetica decimononica que poco y nada aporta a una posible re-lectura de la opera que estamos viendo, salvo contadas ocaciones en que titulos como "peter grames" o "wozzeck" o "dialogos de carmelitas" y en general titulos wagnerianos han exhibido puestas escenicas que contienen una lectura diferente a la manoseada y consabida " ver en el escenario una, lo mas fiel posible, recreacion de la realidad", a menudo con escasa recepción del publico que acude a palcos y plateas, que en su mayoría es gente muy conservadora en todo el sentido del termino. Publico que no concibe facilmente que un personaje de opera aparesca sin un vestido de tul o una peluca empolvada.

Bajo estas condiciones, podremos ver titulos necesarios dentro de cualquier temporada de opera que se precie de nivel mundial como pretende el municipal ? titulos como, y cito una infima parte de los que habría que conocer: la ciudad muerta, einstein on the beach, a pleno sol cargado de amor, nixon en china, el consul, el doctor de vidrio, lady macbeth von zsemk, el telefono, pelleas y melisande, etc. etc.

En el actual estado de cosas lo veo dificil, por otro lado gracias al dvd podemos ver que principalmente en europa las direcciones escenicas, en gran medida si dan cuenta de la evolución del lenguaje escenico, tanto en montajes de operas contemporaneas como titulos del siglo XIX y anteriores, basta ver los trabajos de regies como robert wilson, willie decker y olivier py, por citar tres, para constatar este hecho, podemos sumar a estos el trabajo de los catalanes "la fura dels baus" con el anillo wagneriano.

No pierdo la esperanza de que paulatinamente el municipal deje ingresar a su escenario puestas de las caracteristicas que menciono, regies que den cuenta de la evolucion del lenguaje teatral durante el siglo XX y lo que va del XXI, creo que eso y titulos no estrenados hasta ahora son la mayor asignatura pendiente del llamado principal coliseo capitalino.

Jose Luis

el tango, mas vivo que nunca

2007-12-29T12:33:00.000-08:00

desde la desaparición paulatina de las grandes e iconográficas orquestas típicas de tango que se habla de la muerte de esta musica apuntando al hecho que iba quedando acotada a un sector específico de la sociedad, principalmente gente mayor, y que entre las nuevas generaciones de compositores no se le cultivaba , ejemplos de que era y es una apreciación erronea sobran, basta con asomarse a los clubes de tango en cualquier pais para ver que entre la juventud hay quienes lo cultivan con gran dedicación y admiración, y basta con buscar en la sección respectiva de cualquier disquería para encontrar siempre material "nuevo" y no solo reediciones de "los clásicos de siempre".

Un ejemplo palpable y cercano ya que han estado en mas de una oportunidad en chile es la orquesta tipica fernandez fierro, agrupacion de musicos muy jovenes que recogen lo mejor de la tradición tanguera y lo funden con sonidos mas cercanos a su generación.

es el caso del disco bautizado "mucha mierda" cuyos temas pude apreciar este año en un concierto en el cine arte alameda. acusa este trabajo dos grandes e ineludibles influencias : osvaldo pugliese y astor piazzolla, y en cada pista va quedando patente la marca que dejaron en la historia del tango estos dos grandes compositores e interpretes, marca que en el caso de fernández fierro va más alla de un mero "homenaje" para transformarse en una suerte de revisitación llena de creatividad a estos musicos.

esta presente el tango con todo su poderío fruto de su largísima tradición, esta la marcadisima e insuperable herencia de piazzolla, para mi lo mas grande que tiene el tango en las decadas finales del siglo XX, y esta un "modo" de ejecutar muy peculiar, de una fuerza no muy comun en el sonido más tradicional y con influencias por momentos jazzisticas que le confieren una suerte de textura muy particular al sonido, vamos transitando por cada tema como frente a una historia del tango puesta en vitrina, nos llevan en un viaje donde podemos apreciar cómo en el camino de este ritmo inmortal cada creador, en este caso pugliese y piazzolla sumaron "su" visión de cómo debiera sonar el tango y de como las influencias musicales de fueron acomodando a el y no al revés que es como finalmente un sonido va perdiendo personalidad hasta diluirse o tranformarse en expresión decadente.

Fernández fierro nos demuestra que el tango lleva siempre "agua para su molino" y que eventualmente "presta" algo de lo propio a otros ritmos del momento, esto lo convierte en un ritmo siempre nuevo cuando es cultivado por compositores talentosos y estudiosos e interpretes con ganas de elaborar un discurso propio a partir de los grandes maestros.

aconsejo oir a esta agrupación sin falta, ya que más alla del sonido propiamente tanguero podemos apreciar qué sucede con esta inmortal música cuando se la cultiva con conocimiento, talento y atención a la evolución de los sonidos que conforman una expresión musical hace rato ya clásica.

El tango, el mayor legado musical de la américa del sur al mundo, servido en bandeja de plata por una agrupación joven y de talento mayor.

jose luis

2008 el año de puccini

2007-12-26T14:21:00.000-08:00

El 2008 se cumplen 150 años del nacimiento del gran compositor italiano Giacomo Puccini ( 1858-1924 ) momento propicio para hablar de algunos aspectos de su legado musical.
Creo que su música se ha convertido en clásica a raiz de varios elementos de entre los que destacan nitidamente dos: supo dotar a sus personajes de una sicología muy poderosa, en la mayoría de los casos con la inestimable colaboración de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa y ponerlos en escena con su carga de conflictos muy bien resuelta en el aspecto dramaturgico, estoy seguro que la mayoría de sus dramas podrían ser representados sin música e igualmente apreciaríamos su valor, esto nos habla de una calidad literaria mas bien ajena o nada comun al mundo de la opera.
Por otro lado su pluma dibujó una serie de melodías de gran fuerza y lirismo, su música nos hace transitar por los estados anímicos de los personajes o nos describe los lugares de la acción yendo siempre un poco más alla de lo que percibimos a una primera escucha.
Es por un lado el soporte sonoro de la situación y por otro se desmarca del hecho puntual creando atmosferas que tejen una trama, digamos "macro" a los hechos, llegando en varios momentos a elaborar un discurso musical de inspiración y estaturas Wagnerianas.
Creo que estos elementos: fuerza y claridad en el dibujo de los caracteres y un discurso sonoro lleno de dramatismo y amplitud de significancia y significados, le confieren a sus obras una suerte de "vida" llena de riqueza conceptual, en contraposición a otros representantes menores del género cuya música "pinta" la situación puntual y "acompaña" al personaje agotandose en si durante el transcurso de cada escena sin llegar a constituir un orden superior como es el caso Pucciniano.
A esto agregaría que fue un compositor en general de facil llegada, algunos de sus títulos emblemáticos como " la boheme ", "tosca" y "madama butterfly" nos presentan un discurso musical que se sigue con facilidad, lo que no es sinónimo de simplismo sino de simpleza.
Es un trazo musical fuerte y claro que no oculta ases bajo la manga y se impone al oido a "primera vista"o mejor dicho "escucha", de ahi, en sucesivas audiciones vamos descubriendo una riqueza melódica y una capacidad de conmovernos no muy abundante en el genero lirico y que lo sitúa junto a verdi y wagner como los tres mas grandes cultores de la lirica en la, podríamos llamar, "edad de oro" de los dramas puestos en música.

jose luis.

el silencio de dios

2007-12-26T10:51:00.000-08:00

este año pasara a la historia del cine como el año de la muerte de ingmar bergman, lejos uno de los cineastas con la obra mas singular en su forma y profunda en su contenido de que de cuenta el septimo arte.

Qué elementos la constituyen para realizar estas afirmaciones: varios a mi parecer, primero una linea que si bien evolucionó en cuanto a sus canales expresivos, se mantuvo siempre concordante con las inquietudes primigenias de su autor, la imposibilidad de comunicarnos entre nosotros cuando de "asuntos trascendentales se trata" y la siempre lacerante angustia de sentirnos arrojados a un mundo hostil que vaga en un universo probablemente "vacio".

Con estos elementos bergman fabrica quizas UNA gran película desarrollada a traves de su vida en distintos capitulos de acuerdo a las epocas y sus "diferentes" pulsos, se podría decir que sus personajes, muchos de ellos, podrían cambiar de cinta sin alterar substancialmente ni su naturaleza ni el guión.

En mas de sesenta titulos entre filmes y guiones quizo exorcisar, y solo el sabría si lo logro, sus dudas y certezas sobre la condición humana, que no fue sino la propia, vemos sus filmes y nos provocan un efecto hipnótico, quizas porque nuestro subconsiente nos advierte que estamos más ante un espejo que una pantalla.

Creo, al igual que muchos más, que su discurso filmico fue uno de los mas coherentes y nitidos del cine, que sus personajes dotados de la fuerza del arquetipo y la complejidad sicologica de todo ser humano, y la calidad literaria de sus guiones, lo ponen en un sitio de privilegio entre los creadores de su epoca y reafirman que fue un caso probablemente único en la historia del cine, woody Allen decia en una columna del new york times, que los genios no dejan escuela y que su arte no puede influir ya que el "genio" no se transmite ni aprende.

probablemente sea asi, dejo esta última afirmación a la consideración de los cinéfilos como posible entrada a mas comentarios sobre la obra de este grande que se fue dejandonos un legado imperecedero.

jose luis.

humano demasiado humano

2007-12-26T10:22:00.000-08:00

El cine, la música y la literatura son probablemete las manifestaciones artísticas donde hombres y mujeres han canalizado de forma mas nítida sus eternas preocupaciones, certezas y dudas sobre la condición humana.

Es asi como en forma separada y tambien nutriendose unas a otras en distintos estadios de sus respectivas evoluciones, estas formas de expresión se han constituido en verdaderos manifiestos del alma humana, lo que nos posibilita al adentrarnos en cada una de ellas y sus frutos, darnos cuenta de forma bastante precisa de qué nos ocurre o a ocurrido a traves de nuestro devenir.

este espacio, como otros similares, existe a partir de hoy, con el fin de ser un canal más de expresión de los que somos y cómo nos vemos a través de las obras musicales, cinematográficas y literarias que hasta este momento pueblan nuestra historia.

Expongamos, conversemos, debatamos y discutamos sobre todo lo que nos movilize de estas artes y sus artífices y creadores. Sabemos que cada vez que lo hacemos aprendemos un poco más sobre nosotros mismos, esa es al menos mi experiencia y, estoy seguro, la de muchisimos más.

jose luis.